Theater -
Theatre

Aus Wikipedia, der freien Enzyklopädie

θέατρον (théatron, "ein Ort zum Anschauen") abgeleitet ist, selbst von θεάομαι (theáomai, "sehen", "beobachten", " beobachten").

Modernes westliches Theater stammt zu einem großen Teil aus dem Theater des antiken Griechenlands , von dem es technische Terminologie, Einteilung in Genres und viele seiner Themen , Stockfiguren und Handlungselemente entlehnt . Der Theaterkünstler Patrice Pavis definiert Theatralität, theatralische Sprache , Bühnentext und die Besonderheit des Theaters als synonyme Ausdrücke, die das Theater von den anderen darstellenden Künsten , der Literatur und der Kunst im Allgemeinen unterscheiden.

Modernes Theater umfasst Aufführungen von Theaterstücken und Musiktheater . Die Kunstformen Ballett und Oper sind ebenfalls Theater und bedienen sich vieler Konventionen wie Schauspiel , Kostüm und Inszenierung. Sie waren einflussreich für die Entwicklung des Musiktheaters ; Weitere Informationen finden Sie in diesen Artikeln.

Geschichte des Theaters

Klassisches und hellenistisches Griechenland

Griechisches Theater in Taormina , Sizilien , Italien
Eine Darstellung von Schauspielern, die die Rollen eines Meisters (rechts) und seines Sklaven (links) in einem griechischen Phlyax-Stück spielen , um 350/340 v
.

Die Teilnahme an den vielen Festivals des Stadtstaates – und insbesondere die obligatorische Teilnahme an der City Dionysia als Zuschauer (oder sogar als Teilnehmer an den Theaterproduktionen) – war ein wichtiger Bestandteil der Bürgerschaft . Bürgerbeteiligung beinhaltete auch die Bewertung der Rhetorik von Rednern , die sich in Aufführungen vor Gericht oder in der politischen Versammlung zeigten, die beide als analog zum Theater verstanden wurden und zunehmend dessen dramatisches Vokabular in Anspruch nahmen. Die Griechen entwickelten auch die Konzepte der dramatischen Kritik und der Theaterarchitektur. Schauspieler waren entweder Amateure oder bestenfalls Semi-Profis. Das Theater des antiken Griechenlands bestand aus drei Arten von Dramen : Tragödie , Komödie und Satyrspiel .

Die Ursprünge des Theaters im antiken Griechenland liegen laut Aristoteles (384–322 v. Chr.), dem ersten Theoretiker des Theaters, in den Festen zu Ehren des Dionysos. Die Aufführungen fanden in halbrunden Auditorien statt, die in die Hügel eingeschnitten waren und 10.000 bis 20.000 Zuschauern Platz boten. Die Bühne bestand aus einer Tanzfläche (Orchester), einer Umkleidekabine und einem Bühnenbaubereich (Skene). Da die Worte der wichtigste Teil waren, standen eine gute Akustik und eine klare Ansprache im Vordergrund. Die Schauspieler (immer Männer) trugen Masken, die den von ihnen repräsentierten Charakteren angemessen waren, und jeder konnte mehrere Rollen spielen.

Die athenische Tragödie – die älteste erhaltene Form der Tragödie – ist eine Art Tanzdrama , das einen wichtigen Bestandteil der Theaterkultur des Stadtstaates bildete. Sie entstand irgendwann im 6. Jahrhundert v. Chr., blühte während des 5. Jahrhunderts v. Chr. (ab dessen Ende begann sie sich in der gesamten griechischen Welt auszubreiten) und war bis zum Beginn der hellenistischen Zeit weiterhin beliebt .

Keine Tragödien aus dem 6. Jahrhundert v. Chr. und nur 32 der mehr als tausend, die im 5. Jahrhundert v. Chr. aufgeführt wurden, haben überlebt. Wir haben komplette Texte noch vorhandene von Aischylos , Sophokles und Euripides . Die Ursprünge der Tragödie bleiben im Dunkeln, obwohl durch das 5. Jahrhundert vor Christus wurde institutionalisiert in Wettbewerben ( Agon ) gehalten im Rahmen der Feierlichkeiten feiern Dionysos (der Gott des Weins und der Fruchtbarkeit ). Als Teilnehmer im Wettbewerb der City Dionysia (dem renommiertesten Festival für Theateraufführungen) mussten Dramatiker eine Tetralogie von Theaterstücken präsentieren (obwohl die einzelnen Werke nicht unbedingt durch Geschichte oder Thema verbunden waren), die normalerweise aus drei Tragödien und einer bestand Satyr spielen. Die Aufführung von Tragödien in der City Dionysia könnte bereits 534 v. Chr. begonnen haben; offizielle Aufzeichnungen ( didaskaliai ) beginnen ab 501 v. Chr., als das Satyrspiel eingeführt wurde.

Die meisten Athener Tragödien dramatisieren Ereignisse aus der griechischen Mythologie , obwohl die Perser – die die persische Reaktion auf die Nachricht von ihrer militärischen Niederlage in der Schlacht von Salamis im Jahr 480 v. Chr. Inszenieren – die bemerkenswerte Ausnahme im überlebenden Drama sind. Als Aischylos 472 v. Chr. bei der City Dionysia den ersten Preis dafür gewann, schrieb er seit mehr als 25 Jahren Tragödien, doch seine tragische Behandlung der jüngeren Geschichte ist das früheste erhaltene Beispiel für ein Drama . Mehr als 130 Jahre später analysierte der Philosoph Aristoteles die athenische Tragödie des 5. Jahrhunderts im ältesten erhaltenen Werk der dramatischen Theorie – seiner Poetik (ca. 335 v. Chr.).

Athenische Komödie wird konventionell in drei Perioden unterteilt: "Alte Komödie", "Mitte Komödie" und "Neue Komödie". Die Alte Komödie überlebt heute weitgehend in Form der elf erhaltenen Stücke des Aristophanes , während die Mittlere Komödie weitgehend verschollen ist (nur in relativ kurzen Fragmenten bei Autoren wie Athenäus von Naukratis erhalten ). Neue Komödie ist vor allem durch die umfangreichen Papyrusfragmente von Menander bekannt . Aristoteles definierte Komödie als eine Darstellung lächerlicher Menschen, die einen Fehler oder eine Hässlichkeit beinhaltet, die weder Schmerzen noch Unglück verursacht.

Neben den Kategorien Komödie und Tragödie bei der City Dionysia umfasste das Festival auch das Satyrspiel . Das Satyrspiel fand seinen Ursprung in ländlichen, landwirtschaftlichen Ritualen, die Dionysos gewidmet waren, und fand schließlich in seiner bekanntesten Form seinen Weg nach Athen. Satyrs selbst waren an den Gott Dionysos als seine treuen Waldgefährten gebunden, die sich oft an seiner Seite in betrunkenem Gelage und Unfug einließen. Das Satyrspiel selbst wurde als Tragikomödie eingestuft und stand auf der Seite der moderneren burlesken Traditionen des frühen 20. Jahrhunderts. Die Handlungsstränge der Stücke beschäftigten sich typischerweise mit den Geschäften des Pantheons der Götter und ihrer Beteiligung an menschlichen Angelegenheiten, unterstützt vom Chor der Satyrn . Satyr-Schauspieler führten jedoch laut Webster nicht immer typische Satyr-Aktionen aus und brachen mit den Schauspieltraditionen, die dem Charaktertyp eines Waldfabelwesens zugeschrieben wurden.

Römisches Theater

Mosaik mit maskierten Schauspielern in einem Theaterstück: Zwei Frauen konsultieren eine "Hexe"

Unter den Römern entwickelte und erweiterte sich das westliche Theater erheblich . Der römische Historiker Livius schrieb, dass die Römer das erste Theater im 4. Jahrhundert v. Chr. erlebten, mit einer Aufführung von etruskischen Schauspielern. Beacham argumentiert, dass sie vor diesem aufgezeichneten Kontakt schon seit einiger Zeit mit "prä-theatralischen Praktiken" vertraut waren. Das Theater des alten Rom war eine blühenden und vielfältige Kunstform, die von Festival Aufführungen von Straßentheatern , Nackttanz und Akrobatik , um die Inszenierung von Plautus ‚s Situation im Großen und Ganzen ansprechend Komödien , auf den High-Stil , verbal aufwendige Tragödien des Seneca . Obwohl Rom eine einheimische Tradition der Leistung hatte, die Hellenisierung der römischen Kultur hatte im 3. Jahrhundert vor Christus eine tiefe und anregende Wirkung auf dem Theater Roman und förderte die Entwicklung der lateinischen Literatur von höchster Qualität für die Bühne. Die einzigen erhaltenen Stücke aus dem Römischen Reich sind zehn Dramen, die Lucius Annaeus Seneca (4 v. Chr.-65 n. Chr.), dem in Corduba geborenen stoischen Philosophen und Lehrer von Nero, zugeschrieben werden.

Indisches Theater

Koothu ist eine uralte Form der darstellenden Kunst, die im frühen Tamilakam entstanden ist .

Die frühesten erhaltenen Fragmente des Sanskrit-Dramas stammen aus dem 1. Jahrhundert n. Chr. Der Reichtum an archäologischen Zeugnissen aus früheren Epochen bietet keinen Hinweis auf eine Theatertradition. Die alten Veden ( Hymnen von zwischen 1500 und 1000 BCE, die zu den frühesten Beispielen sind Literatur in der Welt) enthalten keinen Hinweis davon (obwohl eine kleine Anzahl in einer Form zusammengesetzt ist , Dialog ) und die Rituale der vedischen Zeit nicht scheint sich zum Theater entwickelt zu haben. Das Mahābhāṣya von Patañjali enthält den frühesten Hinweis auf das, was die Saat des Sanskrit-Dramas gewesen sein könnte. Diese Abhandlung über die Grammatik von 140 v. Chr. bietet ein gangbares Datum für die Anfänge des Theaters in Indien .

Die wichtigste Beweisquelle für das Sanskrit-Theater ist A Treatise on Theatre ( Nātyaśāstra ), ein Kompendium, dessen Entstehungsdatum ungewiss ist (Schätzungen reichen von 200 v. Chr. bis 200 n. Chr.) und dessen Autorschaft Bharata Muni zugeschrieben wird . Die Abhandlung ist das umfassendste Dramaturgiewerk der Antike. Es befasst sich mit Schauspiel , Tanz , Musik , dramatischer Konstruktion , Architektur , Kostümierung , Make-up , Requisiten , der Organisation von Kompanien, dem Publikum, Wettbewerben und bietet eine mythologische Darstellung der Entstehung des Theaters. Dabei gibt sie Hinweise auf das Wesen der tatsächlichen Theaterpraxis. Das Sanskrit-Theater wurde auf heiligem Boden von Priestern aufgeführt, die in einem [erblichen Verfahren] in den notwendigen Fähigkeiten (Tanz, Musik und Rezitation) geschult wurden. Sein Ziel war es, zu erziehen und zu unterhalten.

Performer, der Sugriva in der Koodiyattam- Form des Sanskrit-Theaters spielt
), obwohl der Hauptfokus auf letzterem liegt.

(1808–1832).

Der nächste große indische Dramatiker war Bhavabhuti (ca. 7. Jahrhundert n. Chr.). Er soll die folgenden drei Stücke geschrieben haben: Malati-Madhava , Mahaviracharita und Uttar Ramacharita . Unter diesen drei decken die letzten beiden das gesamte Epos von Ramayana ab . Dem mächtigen indischen Kaiser Harsha (606–648) wird zugeschrieben, drei Stücke geschrieben zu haben: die Komödie Ratnavali , Priyadarsika und das buddhistische Drama Nagananda .

Chinesisches Theater

Öffentliche Aufführung im Jade Dragon Snow Mountain Open Air Theater

Die Tang-Dynastie wird manchmal als "Das Zeitalter der 1000 Unterhaltungen" bezeichnet. Während dieser Ära gründete Ming Huang eine Schauspielschule namens The Pear Garden , um eine Form von Drama zu produzieren, die hauptsächlich musikalisch war. Aus diesem Grund werden Schauspieler gemeinhin als "Kinder des Birnengartens" bezeichnet. Während der Dynastie von Kaiserin Ling entwickelte sich das Schattenpuppenspiel erstmals als anerkannte Theaterform in China. Es gab zwei verschiedene Formen des Schattenpuppenspiels, Pekinese (nördlich) und Kantonesisch (südlich). Die beiden Stile wurden durch die Herstellungsweise der Puppen und die Positionierung der Stäbe auf den Puppen im Gegensatz zu der Art des von den Puppen ausgeführten Spiels unterschieden . Beide Stile führten im Allgemeinen Theaterstücke auf, die große Abenteuer und Fantasie darstellten, selten wurde diese sehr stilisierte Theaterform für politische Propaganda verwendet.

Kantonesische Schattenpuppen waren die größeren der beiden. Sie wurden aus dickem Leder gebaut, das stärkere Schatten erzeugte. Auch symbolische Farben waren sehr verbreitet; ein schwarzes Gesicht stand für Ehrlichkeit, ein rotes für Tapferkeit. Die Stäbe zur Steuerung der kantonesischen Puppen wurden senkrecht an den Köpfen der Puppen befestigt. Daher wurden sie von den Zuschauern nicht gesehen, als der Schatten erstellt wurde. Pekinesische Puppen waren zarter und kleiner. Sie wurden aus dünnem, durchscheinendem Leder (normalerweise aus dem Bauch eines Esels) hergestellt. Sie wurden mit kräftigen Farben bemalt, wodurch sie einen sehr bunten Schatten werfen. Die dünnen Stäbe, die ihre Bewegungen kontrollierten, waren an einem Lederhalsband am Hals der Puppe befestigt. Die Stäbe verliefen parallel zu den Körpern der Puppe und wurden dann in einem Winkel von neunzig Grad gedreht, um sich mit dem Hals zu verbinden. Während diese Stäbe sichtbar waren, wenn der Schatten geworfen wurde, lagen sie außerhalb des Schattens der Puppe; somit störten sie das Aussehen der Figur nicht. Die an den Hälsen angebrachten Stäbe erleichtern die Verwendung mehrerer Köpfe mit einem Körper. Wenn die Köpfe nicht verwendet wurden, wurden sie in einem Musselin-Buch oder einer mit Stoff ausgekleideten Schachtel aufbewahrt. Die Köpfe wurden immer nachts entfernt. Dies entsprach dem alten Aberglauben, dass die Puppen nachts zum Leben erwachen würden, wenn sie intakt blieben. Einige Puppenspieler gingen sogar so weit, die Köpfe in einem Buch und die Körper in einem anderen aufzubewahren, um die Möglichkeit der Wiederbelebung von Puppen weiter zu reduzieren. Das Schattenpuppenspiel soll im 11. Jahrhundert seinen Höhepunkt seiner künstlerischen Entwicklung erreicht haben, bevor es zu einem Instrument der Regierung wurde.

In der Song-Dynastie gab es viele beliebte Stücke mit Akrobatik und Musik. Diese entwickelten sich in der Yuan-Dynastie zu einer anspruchsvolleren Form, die als Zaju bekannt ist , mit einer vier- oder fünfaktigen Struktur. Das Yuan-Drama verbreitete sich in ganz China und diversifizierte sich in zahlreiche regionale Formen, von denen eine der bekanntesten die Peking-Oper ist, die noch heute beliebt ist.

Xiangsheng ist eine bestimmte traditionelle chinesische komödiantische Darbietung in Form von Monolog oder Dialog.

Indonesisches Theater

Rama und Shinta bei Wayang Wong- Aufführung in der Nähe des Prambanan- Tempelkomplexes

In Indonesien sind Theateraufführungen zu einem wichtigen Bestandteil der lokalen Kultur geworden, Theateraufführungen in Indonesien haben sich seit Jahrtausenden entwickelt. Die meisten der ältesten Theaterformen Indonesiens sind direkt mit lokalen literarischen Traditionen (mündlich und schriftlich) verbunden. Die prominenten PuppentheaterWayang Golek (Holzstabpuppenspiel) der Sundanesen und Wayang Kulit (Lederschattenpuppenspiel) der Javaner und Balinesen – beziehen einen Großteil ihres Repertoires aus indigenen Versionen des Ramayana und Mahabharata . Diese Geschichten liefern auch Quellenmaterial für das Wayang Wong (menschliches Theater) von Java und Bali , das Schauspieler verwendet. Einige Wayang-Golek-Aufführungen präsentieren jedoch auch muslimische Geschichten, die Menak genannt werden . Wayang ist eine uralte Form des Geschichtenerzählens, die für ihre ausgeklügelten Puppen-/Mensch- und komplexen Musikstile bekannt ist. Die frühesten Beweise stammen aus dem späten 1. Jahrtausend n. Chr. in mittelalterlichen Texten und archäologischen Stätten. Die älteste bekannte Aufzeichnung über Wayang stammt aus dem 9. Jahrhundert. Um 840 n. Chr. erwähnt eine altjavanische (Kawi) Inschrift namens Jaha Inscriptions, herausgegeben von Maharaja Sri Lokapalaform Medang Kingdom in Central Java , drei Arten von Darstellern: Atapukan, Aringgit und Abanol. Aringgit bedeutet Wayang-Puppentheater, Atapukan bedeutet Maskentanzshow und abanwal bedeutet Scherzkunst. Ringgit wird in einem javanischen Gedicht aus dem 11. Jahrhundert als lederne Schattenfigur beschrieben.

Postklassisches Theater im Westen

Das Theater nahm im Westen zwischen dem 15. und 19. Jahrhundert viele alternative Formen an, darunter Commedia dell'arte und Melodram . Der allgemeine Trend ging weg vom poetischen Drama der Griechen und der Renaissance und hin zu einem naturalistischeren Prosastil des Dialogs, insbesondere nach der industriellen Revolution .

Theatre Royal, Drury Lane im West End . Es wurde im Mai 1663 eröffnet und ist das älteste Theater Londons.
auf den Thron zurückkehrte . Das Theater (neben anderen Künsten) explodierte unter dem Einfluss der französischen Kultur, da Charles in den Jahren vor seiner Herrschaft nach Frankreich verbannt worden war.

Im Jahr 1660 erhielten zwei Kompanien eine Lizenz zur Aufführung, die Duke's Company und die King's Company . Aufführungen fanden in umgebauten Gebäuden wie dem Tennisplatz von Lisle statt . Das erste Theater im West End , bekannt als Theatre Royal in Covent Garden , London, wurde von Thomas Killigrew entworfen und an der Stelle des heutigen Theatre Royal, Drury Lane, gebaut .

Eine der großen Veränderungen war das neue Theaterhaus. Anstelle des Typs der elisabethanischen Ära, wie das Globe Theatre , ohne Platz für die Schauspieler, um sich wirklich auf den nächsten Akt vorzubereiten, und ohne "Theatermanieren", verwandelte sich das Theaterhaus in einen Ort der Raffinesse, mit einer Bühne davor und Stadionbestuhlung davor. Da die Sitzplätze nicht mehr rund um die Bühne verteilt waren, wurde dieser Priorität eingeräumt – einige Sitzplätze waren offensichtlich besser als andere. Der König würde den besten Sitzplatz im Haus haben: genau in der Mitte des Theaters, von dem aus man den weitesten Blick auf die Bühne sowie den besten Blickwinkel und den Fluchtpunkt, um den die Bühne gebaut war, sehen konnte. Philippe Jacques de Loutherbourg war aufgrund seiner Nutzung von Bodenfläche und Kulisse einer der einflussreichsten Bühnenbildner seiner Zeit.

Aufgrund der Turbulenzen vor dieser Zeit gab es noch einige Kontroversen darüber, was auf die Bühne gebracht werden sollte und was nicht. Jeremy Collier , ein Prediger, war einer der Köpfe in diesem Satz durch sein Stück A Short View of the Immorality and Profaneness of the English Stage . Der Glaube in diesem Papier wurde hauptsächlich von Nicht-Theaterbesuchern und dem Rest der Puritaner und sehr religiösen Zeitgenossen vertreten. Die Hauptfrage war, ob das Sehen von etwas Unmoralischem auf der Bühne das Verhalten derer, die es sehen, beeinflusst, eine Kontroverse, die bis heute im Gange ist.

Abrechnung für ein britisches Theater im Jahr 1829

Das 17. Jahrhundert hatte auch Frauen auf die Bühne gebracht, was früher als unangemessen galt. Diese Frauen galten als Berühmtheiten (auch ein neueres Konzept, dank Ideen zum Individualismus, die im Zuge des Renaissance-Humanismus entstanden ), aber andererseits war es noch sehr neu und revolutionär, dass sie auf der Bühne standen, und einige sagten sie waren undamenhaft und sahen auf sie herab. Karl II. mochte es nicht, wenn junge Männer die Rollen junger Frauen spielten, also bat er darum, dass Frauen ihre eigenen Rollen spielten. Da Frauen auf die Bühne durften, hatten Dramatiker mehr Spielraum bei Wendungen in der Handlung, wie Frauen, die sich als Männer verkleideten und als Formen der Komödie knapp aus moralisch angespannten Situationen entkommen.

Komödien waren voll von Jugendlichen und sehr in Mode, mit der Handlung, die ihrem Liebesleben folgte: Normalerweise bekennt ein junger schurkischer Held seine Liebe zu der keuschen und freigeistigen Heldin gegen Ende des Stücks, ähnlich wie Sheridans The School for Scandal . Viele der Komödien wurden nach der französischen Tradition gestaltet, hauptsächlich Molière, die wiederum auf den französischen Einfluss zurückgingen, den der König und die Royals nach ihrem Exil zurückbrachten. Molière war einer der führenden komödiantischen Dramatiker seiner Zeit und revolutionierte die Art und Weise, wie Komödien geschrieben und aufgeführt wurden, indem er italienische Commedia dell'arte und neoklassische französische Komödie kombinierte , um einige der langlebigsten und einflussreichsten satirischen Komödien zu schaffen. Tragödien waren ähnlich siegreich in ihrem Gefühl, die politische Macht wiederzuerlangen, besonders ergreifend wegen der kürzlich erfolgten Wiederherstellung der Krone. Sie waren auch Nachahmungen der französischen Tragödie, obwohl die Franzosen einen größeren Unterschied zwischen Komödie und Tragödie machten, während die Engländer gelegentlich die Zeilen verfälschten und einige komödiantische Teile in ihre Tragödien einfügten. Gängige Formen nichtkomödiantischer Stücke waren sentimentale Komödien sowie etwas, das später tragédie bourgeoise oder häusliche Tragödie genannt wurde – das heißt die Tragödie des gemeinsamen Lebens – waren in England beliebter, weil sie mehr englische Sensibilität ansprachen.

Während Theatertruppen früher oft auf Reisen waren, fand die Idee des Nationaltheaters im 18. Jahrhundert, inspiriert von Ludvig Holberg, Unterstützung . Hauptförderer der Idee des Nationaltheaters in Deutschland, aber auch der Sturm-und-Drang- Dichter, war Abel Seyler , der Inhaber der Hamburgischen Entreprise und der Seyler Theatre Company .

Das "Kleine Haus" des Vanemuine-Theaters von 1918 in Tartu , Estland .

Im Laufe des 19. Jahrhunderts wichen die populären Theaterformen der Romantik , des Melodrams , der viktorianischen Burleske und der gut gemachten Stücke von Scribe und Sardou den Problemspielen des Naturalismus und Realismus ; die Farce von Feydeau ; Wagners opernhaftes Gesamtkunstwerk ; Musiktheater (einschließlich der Opern von Gilbert und Sullivan ); die Salonkomödien von FC Burnand , WS Gilbert und Oscar Wilde ; Symbolik ; Proto- Expressionismus im Spätwerk von August Strindberg und Henrik Ibsen ; und edwardianische Musikkomödie .

Diese Trends fortgesetzt durch das 20. Jahrhundert in dem Realismus von Stanislawski und Lee Strasberg , das politischen Theater von Erwin Piscator und Bertolt Brecht , die so genannten Theater des Absurden von Samuel Beckett und Eugène Ionesco , amerikanischen und britischen Musicals, die kollektiven Schöpfungen Unternehmen von Schauspielern und Regisseuren wie Joan Littlewood 's Theater Workshop , experimentelle und postmoderne Theater von Robert Wilson und Robert Lepage , das postkolonialer Theater von August Wilson oder Tomson Highway , und Augusto Boal ' s Theater der Unterdrückten .

Östliche Theatertraditionen

Rakshasa oder der Dämon wie in dargestellt Yakshagana , eine Form von musikalischen Tanz - Theater von Indien
Theater.


Typen

Theater

Drama ist die spezifische Form der Fiktion, die in der Performance dargestellt wird . Der Begriff kommt von einem griechischen Wort mit der Bedeutung „ Handlung “, das sich vom Verb δράω, dráō , „tun“ oder „handeln“ ableitet . Die Inszenierung von Drama im Theater, gespielt von Schauspielern auf einer Bühne vor Publikum , setzt kollaborative Produktionsweisen und eine kollektive Rezeptionsform voraus . Die Struktur dramatischer Texte wird im Gegensatz zu anderen Literaturformen direkt von dieser kollaborativen Produktion und kollektiven Rezeption beeinflusst. Die frühneuzeitliche Tragödie Hamlet (1601) von Shakespeare und die klassische athenische Tragödie Ödipus Rex (um 429 v. Chr.) von Sophokles zählen zu den Meisterwerken der Schauspielkunst. Ein modernes Beispiel ist Long Day's Journey into Night von Eugene O'Neill (1956).

alle Theaterstücke, tragisch, komisch oder alles dazwischen.

Drama wird oft mit Musik und Tanz kombiniert : das Drama in der Oper wird im Allgemeinen durchgehend gesungen; Musicals beinhalten im Allgemeinen sowohl gesprochene Dialoge als auch Lieder ; und einige Formen des Dramas haben Schauspielmusik oder musikalische Begleitung, die den Dialog unterstreichen ( zum Beispiel Melodram und japanisches ). In bestimmten Epochen der Geschichte (der alten römischen und modernen Romantik ) wurden einige Dramen geschrieben, um gelesen und nicht aufgeführt zu werden. In der Improvisation existiert das Drama nicht im Moment der Aufführung; Darsteller erarbeiten spontan vor Publikum ein dramatisches Drehbuch.

Musiktheater

Musik und Theater haben eine enge Beziehung seit alte Zeiten - hatten athenische Tragödie , zum Beispiel eine Form waren Tanz - Drama , dass ein verwendeten Chor , deren Teile gesungen (in Begleitung eines aulos -an Instrumentes vergleichbar mit der modernen Klarinette ), ebenso wie einige der Antworten der Schauspieler und ihre „Sololieder“ ( Monodien ). Modernes Musiktheater ist eine Theaterform, die auch Musik, gesprochene Dialoge und Tanz kombiniert. Es entstand aus der komischen Oper (insbesondere Gilbert und Sullivan ), Varieté , Varieté und Music Hall- Genres des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts . Nach der edwardianischen Musical-Komödie , die in den 1890er Jahren begann, den Princess Theatre Musicals des frühen 20. Jahrhunderts und Komödien in den 1920er und 1930er Jahren (wie die Werke von Rodgers und Hammerstein ) mit Oklahoma! (1943) bewegten sich Musicals in eine dramatischere Richtung. Berühmte Musicals der folgenden Jahrzehnte waren My Fair Lady (1956), West Side Story (1957), The Fantasticks (1960), Hair (1967), A Chorus Line (1975), Les Misérables (1980), Cats (1981), Into the Woods (1986) und The Phantom of the Opera (1986) sowie zeitgenössischere Hits wie Rent (1994), The Lion King (1997), Wicked (2003), Hamilton (2015) und Frozen (2018) .

Musiktheater kann in einem intimen Maßstab Off-Broadway , in regionalen Theatern und anderswo produziert werden, aber es beinhaltet oft Spektakel. Zum Beispiel enthalten Musicals am Broadway und im West End oft aufwendige Kostüme und Sets, die von Budgets von mehreren Millionen Dollar unterstützt werden.

Theatermasken der Tragödie und Komödie. Mosaik, römische Kunstwerke , 2. Jahrhundert n. Chr. Kapitolinische Museen , Rom

Komödie

Theaterproduktionen, die Humor als Mittel verwenden, um eine Geschichte zu erzählen, gelten als Komödien. Dazu kann eine moderne Farce wie Boeing Boeing oder ein klassisches Stück wie As You Like It gehören . Als Black Comedy bezeichnet man Theater, das düstere, kontroverse oder tabuisierte Themen bewusst humorvoll ausdrückt . Black Comedy kann verschiedene Genres haben, wie Slapstick-Humor, dunkle und sarkastische Comedy.

Tragödie

Die Tragödie ist also eine Nachahmung einer ernsten, vollständigen und von einer gewissen Größe: in einer Sprache, die mit jeder Art von künstlerischem Ornament verziert ist, wobei die verschiedenen Arten in verschiedenen Teilen des Stückes zu finden sind; in Form von Handlung, nicht von Erzählung; durch Mitleid und Angst, die die richtige Reinigung dieser Emotionen bewirken.

Der Satz von Aristoteles „mehrere Arten, die in getrennten Teilen des Stückes gefunden werden“ ist ein Hinweis auf die strukturellen Ursprünge des Dramas. Darin die gesprochenen Teile wurden in dem schriftlichen Dach Dialekt während des Chores (rezitierte oder gesungen) Einsen in dem Doric Dialekt , diese Diskrepanzen , die unterschiedlichen religiösen Ursprünge und Reflektieren Versmaßen der Teile, die in eine neue Einheit verschmolzen waren, das Kinotheater .

Tragödie bezieht sich auf eine spezifische Tradition des Dramas , die historisch gesehen eine einzigartige und wichtige Rolle in der Selbstdefinition der westlichen Zivilisation gespielt hat . Diese Tradition war vielfältig und diskontinuierlich, doch wurde der Begriff oft verwendet, um eine starke Wirkung kultureller Identität und historischer Kontinuität zu beschwören – „die Griechen und die Elisabethaner in einer kulturellen Form; Hellenen und Christen in einer gemeinsamen Aktivität“, so Raymond Williams formuliert es. Von seinen obskuren Ursprüngen in den Theatern von Athen vor 2.500 Jahren, von denen nur ein Bruchteil des Werkes von Aischylos , Sophokles und Euripides überliefert ist , über seine einzigartigen Artikulationen in den Werken von Shakespeare , Lope de Vega , Racine und Schiller , bis die neuere naturalistische Tragödie von Strindberg , Becketts modernistische Meditationen über Tod, Verlust und Leiden und Müllers postmoderne Überarbeitung des tragischen Kanons, ist die Tragödie ein wichtiger Ort kultureller Experimente, Verhandlungen, Kämpfe und Veränderungen geblieben. Im Zuge der aristotelischen Poetik (335 BCE) hat Tragödie verwendet worden , um Genre Unterschiede, wäre es auf der Skala der Poesie im Allgemeinen (wo die tragischen Spaltungen gegen epischen und lyrischen ) oder auf der Skala des Dramas (wo Tragödie entgegengesetzt ist zur Komödie ). In der Neuzeit wurde Tragödie auch gegen Drama, Melodram , Tragikomödie und episches Theater definiert .

Improvisation

Improvisation war ein beständiges Merkmal des Theaters, wobei die Commedia dell'arte im 16. Jahrhundert als die erste Improvisationsform anerkannt wurde. Popularisiert durch den Nobelpreisträger Dario Fo und Gruppen wie die Upright Citizens Brigade entwickelt sich das Improvisationstheater mit vielen verschiedenen Strömungen und Philosophien weiter. Keith Johnstone und Viola Spolin gelten als die ersten Improvisationslehrer der Neuzeit, wobei Johnstone die Improvisation als Alternative zum Skripttheater erforschte und Spolin und ihre Nachfolger die Improvisation hauptsächlich als Werkzeug zur Entwicklung dramatischer Arbeit oder Fähigkeiten oder als Form für situatives Komödie. Spolin interessierte sich auch dafür, wie der Prozess des Lernens der Improvisation auf die Entwicklung des menschlichen Potenzials anwendbar ist. Spolins Sohn, Paul Sills, machte das Improvisationstheater als theatralische Kunstform populär, als er als erster Regisseur The Second City in Chicago gründete.

Theorien

Dorffest mit Theateraufführung um 1600

Das Theater ist seit mehr als 2.500 Jahren ein wichtiger Bestandteil der menschlichen Kultur und hat eine Vielzahl unterschiedlicher Theorien und Praktiken entwickelt. Einige beziehen sich auf politische oder spirituelle Ideologien, während andere ausschließlich auf "künstlerischen" Anliegen basieren. Einige Prozesse konzentrieren sich auf eine Geschichte, andere auf das Theater als Ereignis und andere auf das Theater als Katalysator für gesellschaftlichen Wandel. Der klassische griechische Philosoph Aristoteles ist in seiner wegweisenden Abhandlung Poetik (ca. 335 v. Chr.) das früheste erhaltene Beispiel, und seine Argumente haben seitdem die Theorien des Theaters beeinflusst. Darin bietet er einen Bericht über das, was er "Poesie" nennt (ein Begriff, der im Griechischen wörtlich "machen" bedeutet und in diesem Zusammenhang DramaKomödie , Tragödie und das Satyrspiel – sowie Lyrik , epische Poesie , und die Dithyrambe ). Er untersucht ihre "ersten Prinzipien" und identifiziert ihre Genres und Grundelemente; seine Analyse der Tragödie bildet den Kern der Diskussion.

Aristoteles argumentiert, dass die Tragödie aus sechs qualitativen Teilen besteht, die (in der Reihenfolge ihrer Bedeutung) Mythos oder "Plot", Ethos oder "Charakter", Dianoia oder "Gedanke", Lexik oder "Diktion", Melos oder "Lied" und Opsis sind oder "Spektakel". "Obwohl die Poetik des Aristoteles in der westlichen kritischen Tradition allgemein anerkannt ist ", erklärt Marvin Carlson , "hat fast jedes Detail seines bahnbrechenden Werks unterschiedliche Meinungen hervorgerufen." Wichtige Theatermacher des 20. Jahrhunderts sind Konstantin Stanislavski , Vsevolod Meyerhold , Jacques Copeau , Edward Gordon Craig , Bertolt Brecht , Antonin Artaud , Joan Littlewood , Peter Brook , Jerzy Grotowski , Augusto Boal , Eugenio Barba , Dario Fo , Viola Spolin . , Keith Johnstone und Robert Wilson (Regisseur) .

Ansatz stehen, der Charakter und Handlung sowohl von „innen nach außen“ als auch von „außen nach innen“ erforscht und behandelt Geist und Körper des Schauspielers als Teile eines Kontinuums.

Technische Aspekte

Ein Theaterbühnengebäude hinter den Kulissen der Wiener Staatsoper

Theater setzt kollaborative Produktionsweisen und eine kollektive Rezeptionsform voraus . Die Struktur dramatischer Texte wird im Gegensatz zu anderen Literaturformen direkt von dieser kollaborativen Produktion und kollektiven Rezeption beeinflusst. Die Produktion von Theaterstücken in der Regel beinhaltet Beiträge von einem Dramatiker , Regisseur , eine Besetzung von Schauspielern und einem technischen Produktionsteam , das eine schließt szenische oder Bühnenbildner , Lichtdesigner , Kostümbildnerin , Sounddesigner , Inspizient , Produktionsleiter und technischer Leiter. Je nach Produktion kann diesem Team auch ein Komponist , Dramaturg , Videodesigner oder Kampfregisseur angehören .

Das rotierende Auditorium des Open-Air- Pyynikki-Sommertheaters in Tampere , Finnland

Stagecraft ist ein Oberbegriff, der sich auf die technischen Aspekte der Theater-, Film- und Videoproduktion bezieht. Dazu gehören unter anderem der Bau und das Rigging von Kulissen, das Aufhängen und Fokussieren der Beleuchtung, das Design und die Beschaffung von Kostümen, das Make-up, die Beschaffung von Requisiten, das Bühnenmanagement sowie die Aufnahme und Mischung von Ton. Stagecraft unterscheidet sich vom breiteren Oberbegriff der Szenografie. Als eher technischer denn als künstlerischer Bereich betrachtet, bezieht es sich in erster Linie auf die praktische Umsetzung der künstlerischen Vision eines Designers.

In seiner einfachsten Form wird die Bühnentechnik von einer einzigen Person verwaltet (oft der Bühnenleiter einer kleineren Produktion), die alle Bühnenbilder, Kostüme, Beleuchtung und Ton arrangiert und die Besetzung organisiert. Auf professionellerer Ebene, zum Beispiel in modernen Broadway-Häusern, wird die Bühnenkunst von Hunderten von erfahrenen Tischlern, Malern, Elektrikern, Bühnenarbeitern, Nähern, Perückenmachern und dergleichen verwaltet. Diese moderne Form der Bühnenkunst ist hochtechnisch und spezialisiert: Sie umfasst viele Teildisziplinen und einen großen Schatz an Geschichte und Tradition. Der Großteil der Bühnentechnik liegt zwischen diesen beiden Extremen. Regionaltheater und größere Gemeinschaftstheater haben im Allgemeinen einen technischen Direktor und eine Reihe von Designern, von denen jeder direkt an seinen jeweiligen Entwürfen beteiligt ist.

Unterkategorien und Organisation

Es gibt viele moderne Theaterbewegungen, die auf unterschiedliche Weise Theater produzieren. Theaterbetriebe unterscheiden sich enorm in Raffinesse und Zweck. Die beteiligten Personen reichen von Anfängern und Hobbyisten (im Gemeinschaftstheater) bis hin zu Profis (im Broadway und ähnlichen Produktionen). Theater kann mit einem knappen Budget oder im großen Stil mit Budgets von mehreren Millionen Dollar aufgeführt werden. Diese Vielfalt manifestiert sich in der Fülle von Theater-Unterkategorien, darunter:

Repertoirefirmen

Theatre Royal, Drury Lane , London, c. 1821

Während die meisten modernen Theatergruppen ein Stück Theater nach dem anderen proben, dieses Stück für einen Set-„Lauf“ aufführen, das Stück zurückziehen und mit dem Proben einer neuen Show beginnen, proben Repertoirefirmen mehrere Shows gleichzeitig. Diese Gesellschaften sind in der Lage, diese verschiedenen Stücke auf Anfrage aufzuführen und führen Werke oft jahrelang auf, bevor sie sie in den Ruhestand setzen. Die meisten Tanzkompanien arbeiten nach diesem Repertoiresystem. Das Royal National Theatre in London spielt nach einem Repertoiresystem.

Repertoiretheater umfasst im Allgemeinen eine Gruppe ähnlich versierter Schauspieler und verlässt sich mehr auf den Ruf der Gruppe als auf einen einzelnen Star-Schauspieler. Es ist auch in der Regel weniger auf eine strenge Kontrolle durch einen Regisseur und weniger auf die Einhaltung von Theaterkonventionen angewiesen, da Schauspieler, die in mehreren Produktionen zusammengearbeitet haben, aufeinander reagieren können, ohne sich so sehr auf Konventionen oder externe Regie zu verlassen.

Produzieren vs. Präsentieren

Innenraum des Teatro Colón , ein modernes Theater
. Wenn eine Theatergruppe die einzige in einem Theater ansässige Company ist, wird dieses Theater (und die entsprechende Theatergruppe) als ansässiges Theater oder als produzierendes Theater bezeichnet, da der Veranstaltungsort sein eigenes Werk produziert. Andere Theaterensembles sowie Tanzensembles, die keinen eigenen Theatersaal haben, treten in Leihtheatern oder in Vorführungstheatern auf. Sowohl Verleih- als auch Vorführungstheater haben keine hauptamtlichen ansässigen Gesellschaften. Sie haben jedoch manchmal eine oder mehrere Teilzeit-Ansässige sowie andere unabhängige Partnerunternehmen, die die Flächen nach Verfügbarkeit nutzen. Ein Miettheater ermöglicht es den freien Kompanien, den Raum zu suchen, während ein präsentierendes Theater die freien Kompanien sucht, um ihre Arbeit zu unterstützen, indem sie sie auf ihrer Bühne präsentieren.

Einige Performance-Gruppen treten in nicht-theatralischen Räumen auf. Solche Aufführungen können draußen oder drinnen in einem nicht-traditionellen Aufführungsraum stattfinden und umfassen Straßentheater und ortsspezifisches Theater . Nicht-traditionelle Veranstaltungsorte können verwendet werden, um eindringlichere oder bedeutungsvollere Umgebungen für das Publikum zu schaffen. Sie können manchmal stärker modifiziert werden als traditionelle Theatersäle oder können verschiedene Arten von Ausrüstung, Beleuchtung und Kulissen aufnehmen.

Eine Tourneegruppe ist eine unabhängige Theater- oder Tanzgruppe, die oft international reist und in jeder Stadt an einem anderen Theater präsentiert wird.

Gewerkschaften

Es gibt viele Theatergewerkschaften, darunter: Actors' Equity Association (für Schauspieler und Bühnenmanager), die Stage Directors and Choreographers Society (SDC) und die International Alliance of Theatrical Stage Employees (IATSE, für Designer und Techniker). Viele Theater verlangen, dass ihre Mitarbeiter Mitglieder dieser Organisationen sind.

Siehe auch

Erläuternder Vermerk

Zitate

Allgemeine Quellen

Weiterlesen

  • Aston, Elaine und George Savona. 1991. Theater als Zeichensystem: Eine Semiotik von Text und Performance . London und New York: Routledge. ISBN  978-0-415-04932-0 .
  • Benjamin, Walter . 1928. Der Ursprung des deutschen Tragödiendramas. Übers. John Osborne. London und New York: Verso, 1998. ISBN  1-85984-899-0 .
  • Braun, John Russell. 1997. Was ist Theater?: Eine Einführung und Erkundung. Boston und Oxford: Focal P. ISBN  978-0-240-80232-9 .
  • Bryant, Jye (2018). Ein neues Musical schreiben und inszenieren: Ein Handbuch. Kindle-Direktveröffentlichung. ISBN  9781730897412 .
  • Carnicke, Sharon Marie. 2000. "Stanislavskys System: Wege für den Schauspieler". In Hodge (2000, 11–36).
  • Dacre, Kathy und Paul Fryer, Hrsg. 2008. Stanislawski auf der Bühne. Sidcup, Kent: Stanislavski Center Rose Bruford College. ISBN  1-903454-01-8 .
  • Deleuze, Gilles und Félix Guattari . 1972. Anti-Œdipus . Übers. Robert Hurley, Mark Seem und Helen R. Lane. London und New York: Kontinuum, 2004. Vol. 2, No. 1. Neue Akzente Ser. London und New York: Methuen. ISBN  0-416-72060-9 .
  • Felski, Rita, Hrsg. 2008. Tragödie überdenken. Baltimore: Johns Hopkins UP. ISBN  0-8018-8740-2 .
  • Harrison, Martin. 1998. Die Sprache des Theaters . London: Routledge. ISBN  978-0878300877 .
  • Hartnoll, Phyllis , Hrsg. 1983. Der Oxford-Begleiter zum Theater . 4. Aufl. Oxford: Oxford UP. ISBN  978-0-19-211546-1 .
  • Hodge, Alison, Hrsg. 2000. Ausbildung zum Schauspieler des 20. Jahrhunderts . London und New York: Routledge. ISBN  978-0-415-19452-5 .
  • Leach, Robert (1989). Wsevolod Meyerhold . Regisseure in Perspektive-Reihe. Cambridge: Cambridge University Press. ISBN 978-0-521-31843-3.
  • Leach, Robert und Victor Borovsky, Hrsg. 1999. Eine Geschichte des russischen Theaters. Cambridge: Cambridge UP. ISBN  978-0-521-03435-7 .
  • Meyer-Dinkgräfe, Daniel. 2001. Ansätze zur Schauspielerei: Vergangenheit und Gegenwart. London und New York: Kontinuum. ISBN  978-0-8264-7879-5 .
  • Meyerhold, Vsevolod . 1991. Meyerhold über Theater . Hrsg. und trans. Edward Braun. Überarbeitete Edition. London: Methuen. ISBN  978-0-413-38790-5 .
  • Mitter, Schomit. 1992. Probensysteme: Stanislavsky, Brecht, Grotowski und Brook. London und NY: Routledge. ISBN  978-0-415-06784-3 .
  • O'Brien, Nick. 2010. Stanislawski in der Praxis . London: Routledge. ISBN  978-0-415-56843-2 .
  • Rayner, Alice. 1994. Handeln, tun, aufführen: Drama und die Phänomenologie des Handelns. Theater: Theorie/Text/Performance Ser. Ann Arbor: University of Michigan Press. ISBN  978-0-472-10537-3 .
  • Roach, Joseph R. 1985. Die Leidenschaft des Spielers: Studien in der Wissenschaft der Schauspielerei . Theater:Theorie/Text/Performance Ser. Ann Arbor: U of Michigan P. ISBN  978-0-472-08244-5 .
  • Speirs, Ronald, trans. 1999. Die Geburt der Tragödie und anderer Schriften. Von Friedrich Nietzsche . Hrsg. Raymond Geuss und Ronald Speirs. Cambridge Texts in the History of Philosophy ser. Cambridge: Cambridge UP. ISBN  0-521-63987-5 .