Ruth Asawa -
Ruth Asawa

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Imogen Cunningham - Ruth Asawa.jpg
Asawa im Jahr 1952
Geboren
Ruth Aiko Asawa

(
1926-01-24
)
24. Januar 1926
Gestorben 6. August 2013
(2013-08-06)
(87 Jahre)
Ausbildung Black Mountain College
Bekannt für Skulptur
Ehepartner
Albert Lanier
( m.  1949; gestorben 2008 )
Kinder 6
Webseite

Ruth Aiko Asawa (24. Januar 1926 – 6. August 2013) war eine amerikanische Bildhauerin der Moderne . Ihre Arbeiten sind in den Sammlungen des Solomon R. Guggenheim Museum und des Whitney Museum of American Art in New York City vertreten. Fünfzehn von Asawas Drahtskulpturen sind dauerhaft im Turm des de Young Museum in San Francisco im Golden Gate Park ausgestellt , und mehrere ihrer Springbrunnen befinden sich an öffentlichen Plätzen in San Francisco. Sie war eine Verfechterin der Kunsterziehung und die treibende Kraft hinter der Gründung der San Francisco School of the Arts, die 2010 in Ruth Asawa San Francisco School of the Arts umbenannt wurde. 2020 der US Postal Servicewürdigte ihre Arbeit mit einer Serie von zehn Briefmarken, die an ihre bekannten Drahtskulpturen erinnern.

Frühes Leben und Ausbildung

Ruth Asawa wurde 1926 in

Ich hege keine Feindseligkeiten für das, was passiert ist; Ich mache niemandem Vorwürfe. Manchmal kommt Gutes durch Widrigkeiten. Ohne die Internierung wäre ich nicht der, der ich heute bin, und ich mag, wer ich bin.

Asawa interessierte sich schon früh für Kunst. Als Kind wurde sie von ihrem Lehrer der dritten Klasse ermutigt, ihre eigenen Kunstwerke zu schaffen. Infolgedessen erhielt Asawa 1939 den ersten Preis bei einem Kunstwettbewerb der Schule für Kunstwerke, die sich mit Themen der amerikanischen Identität befassten.

Nach ihrem Abschluss an der High School des Internierungszentrums besuchte Asawa das Milwaukee State Teachers College mit der Absicht, Kunstlehrerin zu werden. Sie wurde daran gehindert, das College an der kalifornischen Küste zu besuchen, da der Krieg andauerte und die Zone ihres beabsichtigten Colleges für ethnische Japaner immer noch für verboten erklärt wurde, unabhängig davon, ob es sich um amerikanische Staatsbürger handelte oder nicht. Da sie für die zum Abschluss ihres Abschlusses erforderliche Lehrpraxis nicht eingestellt werden konnte, verließ sie Wisconsin ohne Abschluss. (Wisconsin verlieh ihr 1998 den Abschluss.) Asawa erzählte von einem Erlebnis, als sie in Missouri anhielt, um die Toilette zu benutzen, als sie und ihre Schwester nicht wussten, welches Badezimmer sie benutzen sollten. An der Bushaltestelle gab es eine farbige und eine weiße Toilette und aufgrund der damaligen Rassendiskriminierung entschied man sich für die farbige Toilette. In Black Mountain gab es mehr Gleichheit für sie und andere Schüler aus Minderheiten, darunter andere asiatische Amerikaner und Afroamerikaner. Auf dem Campus waren sie gleichberechtigt, aber in der Stadt war die Realität des Rassismus in Amerika offensichtlich. Dies führte zu einem direkten Sinn für soziales Bewusstsein in Asawas Skulpturen und einer Intimität, die von den Widrigkeiten beeinflusst wurde, die ihre Familie als Minderheit in Amerika erlebte.

Im Sommer vor ihrem letzten Jahr in Milwaukee reiste Asawa mit ihrer älteren Schwester Lois (Masako) nach Mexiko. Asawa besuchte eine Kunstklasse an der Universidad Nacional Autonoma de Mexico ; Zu ihren Lehrern gehörte Clara Porset , eine Innenarchitektin aus Kuba. Porset, ein Freund des Künstlers Josef Albers , erzählte Asawa vom Black Mountain College , wo er unterrichtete. Asawa erzählte:

Mir wurde gesagt, dass es für mich mit noch frischen Erinnerungen an den Krieg schwierig sein könnte, an einer öffentlichen Schule zu arbeiten. Vielleicht ist sogar mein Leben in Gefahr. Das war ein Glücksfall, denn es ermutigte mich, meinem Interesse an Kunst nachzugehen, und ich schrieb mich anschließend am Black Mountain College in North Carolina ein.

Von 1946 bis 1949 studierte sie am Black Mountain College bei Josef Albers . Asawa lernte von Albers, gewöhnliche Materialien zu verwenden, und begann mit Draht zu experimentieren, wobei er eine Vielzahl von Techniken anwandte. Wie alle Studenten des Black Mountain College belegte Asawa Kurse in verschiedenen Kunstformen, und dieser interdisziplinäre Ansatz trug dazu bei, ihre künstlerische Praxis zu formen. Prägend war ihr Zeichenstudium bei Ilya Bolotowsky und Josef Albers. Ihre Zeichnungen aus dieser Zeit beschäftigen sich mit Mustern und Wiederholungen, und sie war besonders fasziniert von dem Mäander als Motiv. Sie wurde besonders von den Sommersessions von 1946 und 1948 beeinflusst, die Kurse des Künstlers Jacob Lawrence , des Fotografiekurators und Historikers Beaumont Newhall , Jean Varda , des Komponisten John Cage , des Choreografen Merce Cunningham , des Künstlers Willem de Kooning , des Bildhauers Leo Amino und von R Buckminster Fuller . Laut Asawa waren die Tanzkurse, die sie bei Merce Cunningham belegte, besonders inspirierend. In einer Klasse, zu der auch Rauschenberg Asawa gehörte, berichtete, dass sie einen großen Hügel hinunterliefen, als wäre es ein Tanz mit brennenden Fackeln, die Strawinskys Rite of Spring sprengten. Im Gegensatz dazu beschrieb Asawa ihre Erfahrungen mit dem Studium bei Josef Albers als formalistischer und was andere Studenten als faschistisches Verhalten bezeichneten, und berücksichtigte die Gefühle seiner Studenten nicht in seinem Unterricht. Sie zitierte ihn mit den Worten: "Wenn Sie sich ausdrücken möchten, tun Sie das in Ihrer Freizeit. Tun Sie es nicht in meiner Klasse." Er zog es vor, Erforschung und Entdeckung durch Design zu lehren, anstatt das von anderen Akademikern gelehrte, heraufgeladene Wissen. Asawa verband sich mit diesem Ansatz aufgrund des kulturellen Hintergrunds ihrer Familie und dessen, was sie als Intoleranz gegenüber Emotionen beschreibt.

Karriere

Asawas Skulpturen, ausgestellt in der David Zwirner Gallery in New York City

In den 1950er Jahren fertigte Asawa als Student am Black Mountain College in Asheville, North Carolina, eine Reihe von gehäkelten Drahtskulpturen in verschiedenen abstrakten Formen an. Asawa hatte das Gefühl, dass sie und ihre Kommilitonen der Verwaltung voraus waren, indem sie ihre eigene Form der Moderne in der Bildhauerei entwickelten und ständig neue Dinge ausprobierten. Sie begann mit Korbdesigns und erforschte später biomorphe Formen, die von der Decke hingen. Sie lernte die Technik des Drahthäkelns während einer Reise zu Josef Albers während seines Sabbaticals im Jahr 1947 in Toluca, Mexiko , wo Dorfbewohner eine ähnliche Technik verwendeten, um Körbe aus galvanisiertem Draht herzustellen. Sie erklärte:

Mich interessierte die Ökonomie einer Linie, etwas im Raum zu machen, ihn einzuschließen, ohne ihn auszublenden. Es ist immer noch durchsichtig. Mir wurde klar, dass wenn ich diese Formen machen wollte, die ineinander greifen und sich verweben, das nur mit einer Linie gemacht werden kann, weil eine Linie überall hingehen kann.

Nach ihrer Reise nach Mexiko stellte Asawas Zeichenlehrerin Ilya Bolotowsky fest, dass ihr Interesse am konventionellen Zeichnen durch eine Faszination für die Verwendung von Draht als Möglichkeit zum Zeichnen im Raum ersetzt worden war. Ihre Drahtseilskulpturen erforschen die Beziehung von Innen- und Außenvolumen und schaffen, wie sie es ausdrückte, „eine Form, die gleichzeitig innen und außen war“. Sie wurden als Verkörperung verschiedener materieller Zustände beschrieben: Innen und Außen, Linie und Volumen, Vergangenheit und Zukunft. Awawa sagte: "Es war 1946, als ich dachte, ich wäre modern. Aber jetzt ist es 2002 und man kann nicht für immer modern sein." Während sie ihre Materialität und Techniken entwickelte, experimentierte sie mit manuellen Mitteln der visuellen Kommunikation. Experimentieren war der Schlüssel, um ihre visuelle Identität als Künstlerin zu finden. Obwohl ihre Technik zur Herstellung von Skulpturen dem Weben ähnelt, hat sie weder Weben studiert noch Fasermaterialien verwendet. Materialien zählten. Als armer College-Student griff Asawa auf billige Fundstücke wie Steine, Blätter und Stöcke zurück, weil sie weder Geld noch Zugang zu gutem Papier hatte. Nähe und Entdeckung waren ihre Ressourcen.

Asawas Drahtskulpturen machten sie in den 1950er Jahren bekannt, als ihre Arbeiten mehrmals auf der Whitney Biennale , 1954 in einer Ausstellung im San Francisco Museum of Modern Art und 1955 auf der Kunstbiennale von São Paulo zu sehen waren .

1962 begann Asawa, mit Drahtskulpturen zu experimentieren, die sich in verzweigten Formen verwurzelten, die in der Natur verwurzelt waren und die zunehmend geometrisch und abstrakt wurden, als sie in dieser Form weiterarbeitete. Bei diesen Stücken behandelte sie manchmal den Draht, indem sie ihn galvanisierte . Sie experimentierte auch mit Galvanik , indem sie den elektrischen Strom in die „falsche“ Richtung leitete, um Textureffekte zu erzeugen. „Ruth war ihrer Zeit voraus, als sie verstand, wie Skulpturen funktionieren können, um Räume zu definieren und zu interpretieren“, sagte Daniell Cornell, Kurator des de Young Museum in San Francisco. "Dieser Aspekt ihrer Arbeit nimmt einen Großteil der Installationsarbeiten vorweg, die die zeitgenössische Kunst dominieren."

Asawa nahm 1965 als Künstler am Tamarind Lithography Workshop Fellowship in Los Angeles teil. In Zusammenarbeit mit den sieben Grafikern der Werkstatt produzierte sie zweiundfünfzig Lithografien von Freunden, Familienmitgliedern (einschließlich ihrer Eltern, Umakichi und Haru), Naturobjekten und Pflanzen.

In den 1960er Jahren erhielt Asawa Aufträge für großformatige Skulpturen in öffentlichen und kommerziellen Räumen in San Francisco und anderen Städten. Awasa installierte ihre erste öffentliche Skulptur, Andrea (1968), nach Einbruch der Dunkelheit auf dem Ghirardelli Square , in der Hoffnung, den Eindruck zu erwecken, dass sie schon immer dort gewesen sei. Die Skulptur zeigt zwei Meerjungfrauen aus Bronzeguss in einem Brunnen, von denen eine ein Meerbaby stillt und zwischen Meeresschildkröten und Fröschen planscht. Das Kunstwerk löste bei der Installation viele Kontroversen über Ästhetik, Feminismus und öffentliche Kunst aus. Lawrence Halprin , der Landschaftsarchitekt, der den Platz am Wasser entworfen hat, beschrieb die Skulptur als ein vorstädtisches Rasenornament und forderte die Entfernung des Kunstwerks. Asawa entgegnete: "Für die Alten würde es die Fantasie ihrer Kindheit zurückbringen, und für die Jungen würde es ihnen etwas geben, an das sie sich erinnern können, wenn sie alt werden." Viele San Franziskaner, insbesondere Frauen, unterstützten Asawas Meerjungfrauenskulptur und versammelten sich erfolgreich hinter ihr, um sie zu schützen.

In der Nähe des Union Square (auf der Stockton Street, zwischen Post und Sutter Street) schuf sie einen Brunnen, für den sie 200 Schulkinder mobilisierte, um Hunderte von Bildern der Stadt San Francisco in Teig zu formen, die dann in Eisen gegossen wurden. Im Laufe der Jahre entwarf sie weitere öffentliche Brunnen und wurde in San Francisco als „Brunnendame“ ​​bekannt.

Der Nachlass des Künstlers wird von der Galerie David Zwirner vertreten .

Öffentlicher Dienst und Kunsterziehungsaktivismus

Asawa hatte ein leidenschaftliches Engagement und war ein leidenschaftlicher Verfechter der Kunsterziehung als transformative und stärkende Erfahrung, insbesondere für Kinder. 1968 wurde sie zum Mitglied der San Francisco Arts Commission ernannt und begann, bei Politikern und gemeinnützigen Stiftungen Lobbyarbeit zu leisten, um Kunstprogramme zu unterstützen, die kleinen Kindern und durchschnittlichen San Franciscos zugute kommen würden. Asawa war 1968 Mitbegründer des Alvarado Arts Workshop für Schulkinder. In den frühen 1970er Jahren wurde dies zum Modell für das CETA/Neighborhood Arts Program der Art Commission, das Gelder aus dem Bundesförderprogramm, dem Comprehensive Employment and Training Act (CETA) verwendete. , das zu einem landesweit replizierten Programm wurde, das Künstler aller Disziplinen beschäftigte, um öffentliche Dienste für die Stadt zu leisten.

Der Alvarado-Ansatz arbeitete daran, Kunst und Gartenarbeit zu integrieren und spiegelte Asawas eigene Erziehung auf einer Farm wider. Asawa glaubte an eine praktische Erfahrung für Kinder und verfolgte den Ansatz „Learning by Doing“. Asawa glaubte an den Vorteil, dass Kinder von professionellen Künstlern lernen, etwas, das sie vom Lernen bei praktizierenden Künstlern am Black Mountain College übernommen hat . Sie glaubte, dass von Klassenlehrern nicht erwartet werden könne, dass sie zusätzlich zu all ihren anderen Aufgaben Kunst unterrichten. 85 Prozent des Programmbudgets flossen in die Einstellung professioneller Künstler und Künstler, von denen die Studenten lernen konnten. Darauf folgte 1982 der Bau einer öffentlichen Kunsthochschule, der San Francisco School of the Arts, die ihr zu Ehren 2010 in Ruth Asawa San Francisco School of the Arts umbenannt wurde. Asawa diente später der California Arts Council, der National Endowment for the Arts im Jahr 1976, und von 1989 bis 1997 war sie Treuhänderin der Fine Arts Museums of San Francisco .

Am Ende ihres Lebens erkannte Asawa die Kunsterziehung als zentral für die Bedeutung ihres Lebenswerks.

Persönliches Leben

Im Juli 1949 heiratete Asawa den Architekten Albert Lanier, den sie 1947 am Black Mountain College kennenlernte. Das Paar hatte sechs Kinder, obwohl Lanier zögerte, überhaupt Kinder zu haben: Xavier (1950), Aiko (1950), Hudson (1952), Adam (1956–2003), Addie (1958) und Paul (1959). Albert Lanier starb 2008. Asawa glaubte, dass „Kinder wie Pflanzen sind. Wenn man sie füttert und gießt, werden sie im Allgemeinen wachsen.“ Er sagte zu einem anderen Künstler und Freund von ihnen: "Ihre Bilder werden Ihre Blumen sein", und sie hatten nie Kinder. Ihre interrassische Ehe war damals umstritten und beflügelte Asawas künstlerische Ausrichtung. Die Familie zog 1960 in das Viertel Noe Valley auf Castro am 28. und 23. von San Francisco, wo sie viele Jahre in der Gemeinde aktiv war.

Tod

Asawa starb am 6. August 2013 im Alter von 87 Jahren in ihrem Haus in

Auszeichnungen und Ehrungen

Ausgewählte Werke

  • Andrea (1966), der Meerjungfrauenbrunnen am Ghirardelli Square in San Francisco, Kalifornien
  • Brunnen (1973), Hyatt am Union Square, San Francisco, Kalifornien
  • Brunnen (1976), The Buchanan Mall (Nihonmachi), San Francisco, Kalifornien
  • Aurora (1986), der Origami-inspirierte Brunnen an der Küste von San Francisco.
  • Die japanisch-amerikanische Internierungs-Gedenkskulptur (1994) in San Jose, Kalifornien
  • The Garden of Remembrance (2002) an der San Francisco State University, San Francisco, Kalifornien

Auszeichnungen

  • 1966: Erster Dymaxion-Preis für Künstler/Wissenschaftler
  • 1974: Goldmedaille des American Institute of Architects
  • 1990: Cyril-Magnin-Preis der Handelskammer von San Francisco
  • 1993: Ehrenpreis des Women's Caucus for the Arts
  • 1995: Asian American Art Foundation Golden Ring Lifetime Achievement Award
  • 2002: Ehrendoktorwürde der San Francisco State University
  • Seit 1982 hat San Francisco den 12. Februar zum „Ruth-Asawa-Tag“ erklärt.

Film

  • Snyder, Robert, Produzent (1978) Ruth Asawa: On Forms and Growth , Pacific Palisades, CA: Masters and Masterworks Production
  • Die Regisseure von Soe, Valerie und Ruth Asawa (2003) Each One Teach One: The Alvarado School Art Program, San Francisco: Alvarado Arts Program.

Siehe auch

Verweise

Weiterlesen

  • Abrahamson, Joan und Sally Woodridge (1973) Das Kunstgemeinschaftsprogramm der Alvarado School. San Francisco: Alvarado-Schulworkshop.
  • Bancroft Library (1990) Ruth Asawa, Art, Competence and Citywide Cooperation for San Francisco ,“ in The Arts and the Community Oral History Project , University of California, Berkeley.
  • Bell, Tiffany und Robert Storr (2017) Ruth Asawa. David Zwirner Bücher: New York.
  • Chase, Marilyn (2020) Alles, was sie berührte: Das Leben von Ruth Asawa. Chronikbücher: San Francisco.
  • Cook, Mariana (2000) Paare. Chronik Bücher.
  • Cornell, Daniell et al. (2006) Die Skulptur von Ruth Asawa: Konturen in der Luft. Presse der Universität von Kalifornien .
  • Cunningham, Imogen (1970) Fotografien, Imogen Cunningham. University of Washington Press.
  • D'Aquino, Andrea (2019) A Life Made by Hand: Ruth Asawa (Kinderbuch). Princeton Architectural Press.
  • Dobbs, Stephen (1981) "Community and Commitment: An Interview with Ruth Asawa", in Art Education , Bd. 34, Nr. 5.
  • Faul, Patricia et al. (1995) Die neue ältere Frau. Himmlische Künste.
  • Harris, Mary Emma (1987) Die Künste am Black Mountain College. MIT Press.
  • Hatfield, Zack. „Ruth Asawa: Tending the Metal Garden“ , NY Daily, New York Review of Books , 21. September 2017
  • Hopkins, Henry und Mimi Jacobs (1982) 50 Künstler der Westküste. Chronik Bücher.
  • Jepson, Andrea und Sharon Litsky (1976) Die Alvarado-Erfahrung. Alvarado-Kunstwerkstatt.
  • Laib, Jonathanet al. (2015) Ruth Asawa: Zeile für Zeile. Ausstellungskatalog von Christie's.
  • McClintock, Elizabeth (1977) Der japanische Teegarten, Golden Gate Park. San Francisco: Die John McLaren Society. (Pflanzenillustrationen von Asawa.)
  • Rountree, Cathleen (1999) Über Frauen, die 70 werden: Die Stimmen der Weisheit ehren. Jossey-Bass.
  • Rubinstein, Charlotte Streifer (1992) Amerikanische Bildhauerinnen. GK-Halle.
  • Kunstmuseum von San Francisco . (1973) Ruth Asawa: Ein Rückblick . Kunstmuseum von San Francisco.
  • Schatz, Howard (1992) Begabte Frau. Pacific Photographic Press.
  • Schenkenberg, Tamara et al. (2019) Ruth Asawa: Lebenswerk. New Haven: Yale University Press.
  • Schoettler, Joan (2018) Ruth Asawa: A Sculpting Life (Kinderbuch). Gretna, Louisiana: Pelican Publishing.
  • Villa, Carloset al. (1994) Worlds in Collision: Dialogues on Multicultural Art Issues. Kunstinstitut San Francisco.
  • Woodridge, Sally (1973) Ruth Asawas San Francisco Fountain. Kunstmuseum von San Francisco .