Jean-Luc Godard
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Jean-Luc Godard

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Jean-Luc Godard in Berkeley, 1968.jpg
Godart im Jahr 1968
Geboren
(
1930-12-03
)
3. Dezember 1930
Gestorben 13. September 2022
(2022-09-13)
(91 Jahre)
Staatsangehörigkeit
  • Französisch
  • schweizerisch
Beruf
  • Filmemacher
  • Filmkritik
aktive Jahre 1950–2022
Bemerkenswerte Arbeit
Bewegung Französische Neue Welle
Ehepartner
Partner Anne-Marie Miéville (ab 1978)
Verwandtschaft
Auszeichnungen
Unterschrift
Jean Luc Godard Unterschrift.svg
(2014). und nicht aus einer marxistischen Perspektive“.

Godard war dreimal verheiratet, mit den Schauspielerinnen Anna Karina und Anne Wiazemsky , die beide in mehreren seiner Filme mitspielten, und später mit seiner langjährigen Partnerin Anne-Marie Miéville . Seine Zusammenarbeit mit Karina – die von der Kritik gefeierte Filme wie Vivre sa vie (1962), Bande à part (1964) und Pierrot le Fou (1965) umfasste – wurde als „das wohl einflussreichste Werk in der Geschichte des Kinos“ bezeichnet. vom Filmmaker- Magazin. In einer Sight & Sound -Umfrage von 2002 belegte Godard den dritten Platz unter den zehn besten Regisseuren aller Zeiten. Er soll „seit der Mitte des 20. Jahrhunderts eine der größten Sammlungen kritischer Analysen aller Filmemacher hervorgebracht haben“. Seine Arbeit war von zentraler Bedeutung für die Erzähltheorie und hat „sowohl die Normen des kommerziellen Erzählkinos als auch das Vokabular der Filmkritik herausgefordert“. Im Jahr 2010 wurde Godard mit einem Ehrenpreis der Akademie ausgezeichnet , nahm jedoch nicht an der Preisverleihung teil.

Frühen Lebensjahren

Jean-Luc Godard wurde am 3. Dezember 1930 im 7. Arrondissement von Paris als Sohn von Odile ( geborene Monod) und Paul Godard, einem Schweizer Arzt, geboren. Seine wohlhabenden Eltern stammten aus protestantischen Familien französisch-schweizerischer Abstammung, und seine Mutter war die Tochter von Julien Monod, einem Gründer der Banque Paribas . Sie war die Urenkelin des Theologen Adolphe Monod . Weitere Verwandte mütterlicherseits sind der Komponist Jacques-Louis Monod , der Naturforscher Théodore Monod , der Pastor Frédéric Monod und der frühere Premierminister und spätere Präsident von Peru Pedro Pablo Kuczynski . Vier Jahre nach der Geburt von Jean-Luc zog sein Vater mit der Familie in die Schweiz. Bei Ausbruch des Zweiten Weltkriegs war Godard in Frankreich und kehrte nur mit Mühe in die Schweiz zurück. Er verbrachte den größten Teil des Krieges in der Schweiz, obwohl seine Familie heimliche Reisen zum Anwesen seines Großvaters auf der französischen Seite des Genfersees unternahm . Godard besuchte die Schule in Nyon , Schweiz.

Da er kein häufiger Kinogänger ist, führte er seine Einführung in das Kino auf eine Lektüre von André Malraux 'Essay " Entwurf einer Psychologie des Kinos " und auf seine Lektüre von " La Revue du cinéma " zurück, die 1946 neu aufgelegt wurde. 1946 ging er zu am Lycée Buffon in Paris studieren und sich durch familiäre Verbindungen mit Mitgliedern der kulturellen Elite vermischen. Er logierte bei dem Schriftsteller Jean Schlumberger . Nachdem er 1948 die Baccalauréat- Prüfung nicht bestanden hatte, kehrte er in die Schweiz zurück. Er studierte in Lausanne und lebte bei seinen Eltern, deren Ehe in die Brüche ging. Er verbrachte auch einige Zeit in Genf mit einer Gruppe, zu der ein weiterer Filmfanatiker, Roland Tolmatchoff, und der rechtsextreme Philosoph Jean Parvulesco gehörten. Seine ältere Schwester Rachel ermutigte ihn, in einem abstrakten Stil zu malen, was er auch tat. Nach einer Zeit in einem Internat in Thonon zur Vorbereitung auf die Wiederholungsprüfung, die er bestanden hatte, kehrte er 1949 nach Paris zurück. Er schrieb sich für ein Zertifikat in Anthropologie an der Universität Paris (Sorbonne) ein, besuchte jedoch nicht den Unterricht.

Frühe Karriere (1950–1959)

Filmkritik

. arbeitete .

Filmemachen

Nachdem er Paris im Herbst 1952 verlassen hatte, kehrte Godard in die Schweiz zurück und lebte bei seiner Mutter in Lausanne. Er freundete sich mit dem Liebhaber seiner Mutter, Jean-Pierre Laubscher, an, der Arbeiter am Grande-Dixence-Staudamm war . Über Laubscher sicherte er sich selbst eine Anstellung als Bauarbeiter auf der Baustelle Plaz Fleuri an der Talsperre. Er sah die Möglichkeit, einen Dokumentarfilm über den Damm zu drehen; als sein ursprünglicher Vertrag endete, wechselte er, um seine Zeit am Damm zu verlängern, auf den Posten des Telefonisten. Während seines Dienstes im April 1954 rief er Laubscher an, der ihm mitteilte, dass Odile Monod, Godards Mutter, bei einem Motorrollerunfall ums Leben gekommen war. Dank Schweizer Freunden, die ihm eine 35-mm -Filmkamera liehen, konnte er auf 35-mm-Film drehen. Er schrieb den von Laubscher geschriebenen Kommentar um und gab seinem Film einen reimenden Titel Opération béton ( Operation Beton ). Die Firma, die den Damm verwaltete, kaufte den Film und nutzte ihn für Werbezwecke.

basierten ; Daher kam die Finanzierung stattdessen von einem Filmverleiher, René Pignières.

Zeit der Neuen Welle (1960–1967)

Godards berühmteste Zeit als Regisseur reicht ungefähr von seinem ersten Spielfilm „ Außer Atem “ (1960) bis „ Week End “ (1967). Seine Arbeit in dieser Zeit konzentrierte sich auf relativ konventionelle Filme, die sich oft auf verschiedene Aspekte der Filmgeschichte beziehen. Obwohl Godards Arbeit in dieser Zeit als bahnbrechend angesehen wird, steht diese Zeit im Gegensatz zu der unmittelbar darauf folgenden Zeit, in der Godard einen Großteil der Filmgeschichte ideologisch als bürgerlich und daher ohne Verdienst anprangerte.

Filme

Atemlos

Godards „ Atemlos “ ( À bout de souffle , 1960) mit Jean-Paul Belmondo und Jean Seberg in den Hauptrollen brachte deutlich den Stil der französischen New Wave zum Ausdruck und enthielt Zitate aus mehreren Elementen der Populärkultur – insbesondere dem amerikanischen Film Noir . Der Film verwendete verschiedene Techniken, wie die innovative Verwendung von Jump Cuts (die traditionell als amateurhaft galten), Charakterbeseitigungen und das Brechen der Augenlinienübereinstimmung bei der Kontinuitätsbearbeitung . Ein weiterer einzigartiger Aspekt von Breathless war das spontane Schreiben des Drehbuchs am Drehtag – eine Technik, die die Schauspieler als beunruhigend empfanden –, die zu der spontanen, dokumentarischen Atmosphäre des Films beiträgt.

Von Beginn seiner Karriere an hat Godard mehr Filmreferenzen in seine Filme aufgenommen als jeder seiner New-Wave-Kollegen. In Breathless enthalten seine Zitate ein Filmplakat, das Humphrey Bogart zeigt – aus The Harder They Fall , seinem letzten Film (dessen Gesichtsausdruck der Hauptdarsteller Jean-Paul Belmondo ehrfürchtig zu imitieren versucht) – visuelle Zitate aus Filmen von Ingmar Bergman , Samuel Fuller , Fritz Lang und andere; und eine Onscreen-Widmung an Monogram Pictures , ein amerikanisches B-Movie- Studio. Zitate und Verweise auf Literatur beinhalten William Faulkner , Dylan Thomas , Louis Aragon , Rilke , Françoise Sagan und Maurice Sachs . Der Film enthält auch Zitate in Bildern oder auf der Tonspur – Mozart , Picasso , JS Bach , Paul Klee und Auguste Renoir . "Dieses Ich-Kino rief nicht die Erfahrung des Regisseurs hervor, sondern seine Präsenz".

.

Frühe Arbeit mit Anna Karina

1960 drehte Godard Le petit soldat ( Der kleine Soldat ). Die Besetzung umfasste Godards zukünftige Frau Anna Karina . Zu dieser Zeit hatte Karina praktisch keine Erfahrung als Schauspielerin. Godard nutzte ihre Unbeholfenheit als Element ihrer Leistung. Godard und Karina waren am Ende der Dreharbeiten ein Paar. Zusammen mit Belmondo trat sie erneut in Godards erstem Farbfilm A Woman Is a Woman (1961) auf, ihrem ersten veröffentlichten Projekt. Der Film war als Hommage an das amerikanische Musical gedacht . Anpassungen, die Godard an der Originalversion der Geschichte vornahm, gaben ihr autobiografische Resonanzen, "insbesondere in Bezug auf seine Beziehung zu Anna Karina". Der Film enthüllte „die Eingesperrtheit in den vier Wänden des häuslichen Lebens“ und „die emotionalen und künstlerischen Bruchlinien, die ihre Beziehung bedrohten“.

Mein Leben zu leben

Godards nächster Film, Vivre sa vie ( Mein Leben zu leben , 1962), war einer seiner beliebtesten unter den Kritikern. Karina spielte die Hauptrolle als Nana, eine fehlgeleitete Mutter und aufstrebende Schauspielerin, deren finanziell angespannte Umstände sie in das Leben einer Straßenläuferin führen . Es ist ein episodischer Bericht über ihre Rationalisierungen, um zu beweisen, dass sie frei ist, obwohl sie am Ende der kurzen Leine ihres Zuhälters angebunden ist. In einer Szene breitet sie in einem Café ihre Arme aus und kündigt an, dass sie sie nach Belieben heben oder senken kann.

Der Film war ein großer Erfolg und führte dazu, dass Columbia Pictures ihm einen Deal unterbreitete, bei dem er 100.000 US-Dollar für die Produktion eines Films mit vollständiger künstlerischer Kontrolle erhielt.

Der kleine Soldat und Les Carabiniers

Le petit soldat wurde erst 1963 veröffentlicht, der erste von drei Filmen, die er in diesem Jahr veröffentlichte. Le petit soldat befasste sich mit dem algerischen Unabhängigkeitskrieg . Aufgrund seines politischen Charakters wurde es von der französischen Regierung für die nächsten zwei Jahre verboten. Der „kleine Soldat“ Bruno Forestier wurde von Michel Subor gespielt . Forestier war eine Figur, die Godard selbst nahe stand, ein Bildermacher und Intellektueller, „mehr oder weniger mein Sprecher, aber nicht ganz“, sagte Godard einem Interviewer.

Der Film beginnt am 13. Mai 1958, dem Datum des Putschversuchs in Algerien , und endet später im selben Monat. In dem Film wird Bruno Forestier, ein Fotojournalist , der Verbindungen zu einer rechten paramilitärischen Gruppe hat, die für die französische Regierung arbeitet, beauftragt, einen Professor zu ermorden, der beschuldigt wird, den algerischen Widerstand unterstützt zu haben. Er ist in Veronica Dreyer verliebt, eine junge Frau, die mit den algerischen Kämpfern zusammengearbeitet hat. Er wird von algerischen Militanten gefangen genommen und gefoltert. Seine Organisation nimmt sie gefangen und foltert sie. Bei Le petit soldat unternahm Godard den ungewöhnlichen Schritt, jeden Tag Dialoge zu schreiben und den Schauspielern während des Filmens die Zeilen zuzurufen – eine Technik, die durch das Filmen ohne direkten Ton und das Synchronisieren der Dialoge in der Postproduktion ermöglicht wurde.

Sein folgender Film war Les Carabiniers , basierend auf einer Geschichte von Roberto Rossellini , einem von Godards Einflüssen. Der Film folgt zwei Bauern, die sich der Armee eines Königs anschließen, nur um das Ganze als vergeblich anzusehen, da der König die Täuschung der kriegsführenden Führer aufdeckt.

Verachtung

“ Interpretation der Geschichte geht bei Prokosch verloren, dessen Charakter eine entschiedene Anklage gegen die kommerzielle Filmhierarchie ist.

Anouchka-Filme

1964 gründeten Godard und Karina eine Produktionsfirma, Anouchka Films. Er leitete Bande à part ( Band der Außenseiter ), eine weitere Zusammenarbeit zwischen den beiden und von ihm als „ Alice im Wunderland trifft Franz Kafka “ beschrieben. Es folgt zwei jungen Männern, die bei einem Überfall punkten wollen, die sich beide in Karina verlieben, und zitiert aus mehreren Gangsterfilm- Conventions. Während er für den Film wirbte, schrieb Godard, dass laut DW Griffith alles, was man brauche, um einen Film zu machen, „ein Mädchen und eine Waffe“ seien.

Une femme mariée ( Eine verheiratete Frau , 1964) folgte Band of Outsiders . Es war ein langsames, bedächtiges, abgeschwächtes Schwarz-Weiß-Bild ohne wirkliche Geschichte. Der Film wurde in vier Wochen gedreht und war "ein explizit und stringent modernistischer Film". Es zeigte Godards „Einsatz für das fortschrittlichste Denken der Zeit, wie es in den Werken von Claude Lévi-Strauss und Roland Barthes zum Ausdruck kommt “, und seine Fragmentierung und Abstraktion spiegelte auch „seinen Vertrauensverlust in die vertrauten Hollywood - Stile“ wider. Godard drehte den Film während der Planungsphase zu Pierrot le Fou (1965).

, inzwischen ein berühmter Schauspieler, um die notwendige Finanzierung für den teuren Film sicherzustellen. Godard sagte, der Film sei "verbunden mit der Gewalt und Einsamkeit, die dem heutigen Glück so nahe liegen. Es ist sehr viel ein Film über Frankreich."

Masculin Féminin (1966), basierend auf zwei Geschichten von Guy de Maupassant , La Femme de Paul und Le Signe , war eine Studie über die zeitgenössische französische Jugend und ihre Beteiligung an der Kulturpolitik. Ein Zwischentitel bezeichnet die Figuren als „Die Kinder von Marx und Coca-Cola “. Obwohl Godards Kino manchmal für eine völlig männliche Sichtweise gehalten wird, hat Phillip John Usher gezeigt, wie der Film durch die Art und Weise, wie er Bilder und disparate Ereignisse verbindet, die Geschlechtergrenzen zu verwischen scheint.

Godard folgte mit Made in USA (1966), dessen Ausgangsmaterial Richard Starks The Jugger war . Ein klassischer New-Wave-Krimi, der von amerikanischen Noir-Filmen inspiriert wurde. Anna Karina spielt die Antiheldin, die nach ihrem ermordeten Liebhaber sucht, und der Film enthält einen Cameo-Auftritt von Marianne Faithfull . Ein Jahr später erschien Two or Three Things I Know About Her (1967), in dem Marina Vlady eine Frau porträtiert, die ein Doppelleben als Hausfrau und Prostituierte führt und als „eine der größten Errungenschaften des Filmemachens“ gilt.

La Chinoise (1967) sah Godard in seiner bisher politisch unverblümtesten Form. Der Film konzentrierte sich auf eine Gruppe von Studenten und beschäftigte sich mit den Ideen, die von den studentischen Aktivistengruppen im heutigen Frankreich kamen. Der Film, der kurz vor den Ereignissen im Mai 1968 veröffentlicht wurde, wird von einigen als Vorbote der Studentenrebellionen angesehen, die stattfanden.

Wochenende

Im selben Jahr drehte Godard einen farbenfroheren und politischeren Film, Week End . Es folgt einem Pariser Paar, das zu einem Wochenendausflug durch die französische Landschaft aufbricht, um eine Erbschaft zu sammeln. Was folgt, ist eine Konfrontation mit den tragischen Fehlern der überkonsumierenden Bourgeoisie . Der Film enthält eine achtminütige Kamerafahrt des Paares, das beim Verlassen der Stadt in einem ununterbrochenen Stau steckt, zitiert als eine Technik, mit der Godard bürgerliche Trends dekonstruiert. Erstaunlicherweise enthalten einige Einstellungen zusätzliches Material sozusagen vor dem Beginn der Einstellung (während die Schauspieler sich vorbereiten) und nach dem Ende der Einstellung (während die Schauspieler ihre Rolle verlassen). Die rätselhafte und kühne Endtitelsequenz von

Politik

Godard war bekannt für seine "hochpolitische Stimme" und zeigte in seinen Filmen regelmäßig politische Inhalte. Einer seiner frühesten Filme, Le petit soldat , der sich mit dem algerischen Unabhängigkeitskrieg befasste , war bemerkenswert für seinen Versuch, die Komplexität des Streits darzustellen; Der Film wurde als zweideutig und als "moralische Äquivalenz" zwischen den französischen Streitkräften und der Nationalen Befreiungsfront wahrgenommen . In diesem Sinne präsentiert Les Carabiniers einen fiktiven Krieg, der in der Art und Weise, wie seine Charaktere ihren Dienst angehen, zunächst romantisiert wird, aber zu einem starren Antikriegsmetonym wird . Neben den internationalen Konflikten, auf die Godard eine künstlerische Antwort suchte, beschäftigten ihn auch die sozialen Probleme in Frankreich sehr. Das früheste und beste Beispiel dafür ist Karinas kraftvolle Darstellung einer Prostituierten in Vivre sa vie . Im Paris der 1960er Jahre wurde das politische Milieu nicht von einer bestimmten Bewegung überwältigt. Es gab jedoch ein ausgeprägtes Nachkriegsklima, das durch verschiedene internationale Konflikte wie den Kolonialismus in Nordafrika und Südostasien geprägt war. Godards marxistische Gesinnung wurde bis La Chinoise und Week End nicht überdeutlich , ist aber in mehreren Filmen – nämlich Pierrot und Une femme mariée – offensichtlich .

verflucht.“

Unmittelbar nach der Veröffentlichung von Cieplys Artikel kritisierte Brody deutlich die „extrem selektive und enge Verwendung“ von Passagen in seinem Buch und stellte fest, dass Godards Werk den Holocaust mit „größter moralischer Ernsthaftigkeit“ angegangen sei. Tatsächlich zeigen seine Dokumentarfilme Bilder aus dem Holocaust in einem Kontext, der darauf hindeutet, dass er den Nationalsozialismus und den Holocaust als den Tiefpunkt der Menschheitsgeschichte betrachtet. Godards Ansichten werden in Bezug auf den Staat Israel komplexer . 1970 reiste Godard in den Nahen Osten, um einen pro-palästinensischen Film zu drehen, den er nicht vollendete und dessen Filmmaterial schließlich Teil des Films Ici et ailleurs von 1976 wurde . In diesem Film scheint Godard die Sache der Palästinenser als eine von vielen weltweiten linken revolutionären Bewegungen zu betrachten. An anderer Stelle bezeichnete sich Godard ausdrücklich als Antizionist , bestritt jedoch die Vorwürfe des Antisemitismus.

Vietnamkrieg

Godard produzierte mehrere Stücke, die sich direkt mit dem Vietnamkrieg befassen . Darüber hinaus gibt es in Pierrot le fou zwei Szenen , die sich mit dem Thema befassen. Die erste ist eine Szene, die bei der ersten Autofahrt zwischen Ferdinand (Belmondo) und Marianne (Karina) spielt. Über das Autoradio hören die beiden die Nachricht „Garnison massakriert von Viet Cong , die 115 Männer verloren haben“. Marianne antwortet mit einem ausgedehnten Grübeln darüber, wie das Radio die nordvietnamesischen Kombattanten entmenschlicht. Der Krieg ist während des gesamten Films in Erwähnungen, Anspielungen und Darstellungen in Wochenschauaufnahmen präsent , und der Stil des Films wurde von Godards politischer Wut auf den Krieg beeinflusst, was seine Fähigkeit störte, auf frühere Filmstile zurückzugreifen.

Insbesondere nahm er auch an Loin du Vietnam (1967) teil. Es ist ein Antikriegsprojekt und besteht aus sieben Skizzen unter der Regie von Godard (der Archivmaterial von La Chinoise verwendete ), Claude Lelouch , Joris Ivens , William Klein , Chris Marker , Alain Resnais und Agnès Varda .

Berthold Brecht

Godards Auseinandersetzung mit dem deutschen Dichter und Dramatiker Bertolt Brecht entspringt vor allem seinem Versuch, Brechts Theorie des epischen Theaters und dessen Aussicht auf Verfremdungseffekt durch eine radikale Trennung der Elemente des Mediums (Theater bei Brecht, aber bei Godard , Film). Brechts Einfluss ist in vielen von Godards Werken deutlich zu spüren, insbesondere vor 1980, als Godard den filmischen Ausdruck für bestimmte politische Zwecke verwendete.

Zum Beispiel zwingt der elliptische Schnitt von Breathless , der dem Zuschauer eine für das Mainstream-Kino typische flüssige Erzählung verweigert, den Zuschauer dazu, kritischere Rollen zu übernehmen, die Stücke selbst zu verbinden und mehr in den Inhalt des Werks zu investieren. In vielen seiner politischsten Stücke, insbesondere Week-end , Pierrot le Fou und La Chinoise , wenden sich Charaktere mit Gedanken, Gefühlen und Anweisungen an das Publikum.

Marxismus

Eine marxistische Lesart ist bei den meisten, wenn nicht allen frühen Arbeiten Godards möglich. Godards direkte Interaktion mit dem Marxismus wird jedoch erst in Week End deutlich , wo der Name Karl Marx in Verbindung mit Figuren wie Jesus Christus zitiert wird . Ein ständiger Refrain während Godards filmischer Periode ist der Konsumismus der Bourgeoisie , die Kommodifizierung des täglichen Lebens und der täglichen Aktivität und die Entfremdung des Menschen – alles zentrale Merkmale von Marx' Kapitalismuskritik .

In einem Essay über Godard erklärt der Philosoph und Ästhetiker Jacques Rancière : „In Pierrot le fou , 1965, einem Film ohne klare politische Botschaft, spielte Belmondo mit dem Wort ‚Skandal‘ und der ‚Freiheit‘, die der Skandalgürtel angeblich bot Frauen, der Kontext einer marxistischen Kritik der Kommodifizierung , der Pop-Art- Verhöhnung des Konsumismus und einer feministischen Denunziation der falschen 'Befreiung' der Frau, reichte aus, um eine dialektische Lesart des Witzes und der ganzen Geschichte zu fördern. Die Art und Weise, wie Godard die Politik in seiner filmischen Zeit behandelte, war im Kontext eines Witzes, eines Kunstwerks oder einer Beziehung, die als Referenzmittel präsentiert wurde, um die marxistische Rhetorik zu romantisieren, und nicht nur als Werkzeug der Erziehung.

Une femme mariée ist auch um Marx' Konzept des Warenfetischismus herum strukturiert . Godard sagte einmal, es sei „ein Film, in dem Individuen als Dinge betrachtet werden, in dem sich Verfolgungsjagden in einem Taxi mit ethologischen Interviews abwechseln, in dem sich das Spektakel des Lebens mit seiner Analyse vermischt“. Er war sich sehr bewusst, wie er den Menschen darstellen wollte. Seine Bemühungen sind offenkundig charakteristisch für Marx, der in seinen Ökonomischen und Philosophischen Manuskripten von 1844 eine seiner nuanciertesten Ausarbeitungen liefert, indem er analysiert, wie der Arbeiter von seinem Produkt, dem Objekt seiner produktiven Tätigkeit, entfremdet wird. Georges Sadoul beschreibt ihn in seinem kurzen Nachdenken über den Film als „soziologische Studie über die Entfremdung der modernen Frau“.

Revolutionszeit (1968–1979)

Der Zeit, die sich von Mai 1968 bis in die 1970er Jahre erstreckt, wurden verschiedene Bezeichnungen gegeben – von seiner „militanten“ Periode bis zu seiner „radikalen“ Periode, zusammen mit Begriffen, die so spezifisch wie „ maoistisch “ und so vage wie „politisch“ waren. Auf jeden Fall verwendete Godard in dieser Zeit in seinen Filmen und in seinen öffentlichen Äußerungen eine konsequente revolutionäre Rhetorik.

Inspiriert von den Unruhen im Mai 68 führte Godard zusammen mit François Truffaut Proteste an, die die Filmfestspiele von Cannes 1968 aus Solidarität mit den Studenten und Arbeitern beendeten. Godard erklärte, dass auf dem Festival kein einziger Film gezeigt wurde, der ihre Anliegen darstellte. „Nicht einen, weder von Milos [Forman] noch von mir, [Roman] Polanski oder François. Es gibt keine. Wir sind hinter der Zeit zurück.“

Filme

Inmitten der Umbrüche der späten 1960er Jahre entwickelte Godard eine Leidenschaft dafür, „politische Filme politisch zu machen“. Obwohl viele seiner Filme von 1968 bis 1972 Spielfilme sind, sind sie Low-Budget und stellen die Vorstellung davon in Frage, was ein Film sein kann. Neben der Aufgabe des Mainstream-Filmschaffens versuchte Godard auch, dem Personenkult zu entkommen, der sich um ihn herum gebildet hatte. Er arbeitete anonym mit anderen Filmemachern zusammen, insbesondere mit Jean-Pierre Gorin , mit dem er das Kinokollektiv Dziga-Vertov gründete . Während dieser Zeit drehte Godard Filme in England, Italien, der Tschechoslowakei, Palästina und den USA sowie in Frankreich. Er und Gorin tourten mit ihrer Arbeit und versuchten, Diskussionen anzuregen, hauptsächlich auf dem College-Campus. Diese Zeit erreichte ihren Höhepunkt mit der Big-Budget-Produktion Tout Va Bien mit Yves Montand und Jane Fonda . Aufgrund eines Motorradunfalls, der Godard schwer außer Gefecht setzte, leitete Gorin diese berühmteste ihrer gemeinsamen Arbeiten fast im Alleingang. Als Gegenstück zu Tout va bien produzierte das Paar Letter to Jane , eine 50-minütige „Untersuchung eines Standbilds“, das Jane Fonda beim Besuch des Vietcong während des Vietnamkriegs zeigt . Der Film ist eine Dekonstruktion der westlichen imperialistischen Ideologie. Dies war der letzte Film, den Godard und Gorin zusammen gemacht haben.

1978 erhielt Godard von der mosambikanischen Regierung den Auftrag, einen Kurzfilm zu drehen. Während dieser Zeit veranlasste ihn seine Erfahrung mit Kodak -Filmen dazu, das Filmmaterial als „inhärent rassistisch“ zu kritisieren, da es nicht die Vielfalt, Nuance oder Komplexität von Dunkelbraun oder dunkler Haut widerspiegelte . Dies lag daran, dass Kodak Shirley-Karten nur für kaukasische Motive hergestellt wurden, ein Problem, das erst 1995 behoben wurde.

Sohnbild

1972 gründeten Godard und seine Lebensgefährtin, die Schweizer Filmemacherin Anne-Marie Miéville, die alternative Videoproduktions- und -vertriebsfirma Sonimage mit Sitz in Grenoble . Unter Sonimage produzierte Godard Comment ca va , Numéro Deux (1975) und Sauve qui peut (la vie) (1980). 1976 arbeiteten Godard und Miéville, seine Frau, an einer Reihe innovativer Videoarbeiten für das europäische Fernsehen mit den Titeln Six fois deux/Sur et sous la communication (1976) und France/tour/détour/deux/enfants (1978). Seit Godard 1980 zum Mainstream-Filmschaffen zurückkehrte, blieb Anne-Marie Miéville eine wichtige Mitarbeiterin.

Jean-Pierre Gorin

wurde), mit einer Leidenschaft für das Kino, die Godard anzog Aufmerksamkeit.

mitgewirkt hatte .

Dziga Vertov-Gruppe

in Verbindung gebracht wurden .

Gegen Ende dieser Zeit seines Lebens begann Godard, sich von seinen maoistischen Idealen enttäuscht zu fühlen und wurde von seiner damaligen Frau Anne Wiazemsky verlassen. In diesem Zusammenhang versuchte Godard laut dem Biografen Antoine de Baecque zweimal Selbstmord.

Rückkehr zu kommerziellen Filmen und Histoire(s) du cinéma : 1980–2000

.

Seine späteren Filme waren von großer formaler Schönheit und häufig einem Requiem geprägt: Nouvelle Vague ( New Wave , 1990), das autobiografische JLG/JLG, autoportrait de décembre ( JLG/JLG: Self-Portrait in December , 1995) und For Immer Mozart (1996). Allemagne année 90 neuf zéro ( Deutschland Jahr 90 Neun Null , 1991), das quasi eine Fortsetzung von Alphaville ist, aber mit einem elegischen Ton und einem Fokus auf den unvermeidlichen Verfall des Alters. 1990 wurde Godard mit einem Sonderpreis der National Society of Film Critics ausgezeichnet . Zwischen 1988 und 1998 produzierte er die mehrteilige Serie Histoire(s) du cinéma , ein monumentales Projekt, das alle Innovationen seiner Videoarbeit mit einer leidenschaftlichen Auseinandersetzung mit Fragen der Geschichte des 20. Jahrhunderts und der Filmgeschichte selbst verband.

Filme der Spätzeit: 2001-2022

2001 wurde Éloge de l'amour ( Lob der Liebe ) veröffentlicht. Der Film zeichnet sich durch die Verwendung von Film und Video aus – die erste Hälfte wurde in 35-mm-Schwarzweiß aufgenommen, die zweite Hälfte in Farbe auf DV aufgenommen – und anschließend zur Bearbeitung auf Film übertragen. Der Film ist auch dafür bekannt, dass er Themen wie Altern, Liebe, Trennung und Wiederentdeckung enthält, da er dem jungen Künstler Edgar bei seiner Betrachtung eines neuen Werks über die vier Stadien der Liebe folgt. In Notre musique (2004) konzentrierte sich Godard auf den Krieg, insbesondere den Krieg in Sarajevo , aber mit Aufmerksamkeit auf alle Kriege, einschließlich des amerikanischen Bürgerkriegs , des Krieges zwischen den USA und den amerikanischen Ureinwohnern und des israelisch-palästinensischen Konflikts . Der Film ist in drei Königreiche von Dante unterteilt : Hölle, Fegefeuer und Paradies . Godards Faszination für das Paradoxon ist im Film konstant. Es beginnt mit einer langen, schwerfälligen Montage von Kriegsbildern, die gelegentlich ins Komische verfällt; Das Paradies wird als üppig bewaldeter Strand gezeigt, der von US-Marines bewacht wird .

. Godards nicht traditionelles Drehbuch für den Film wurde als Collage aus handgeschriebenem Text und Bildern und als „Kunstwerk“ selbst beschrieben. .

Im Jahr 2020 sagte Godard gegenüber Les Inrockuptibles , dass es in seinem neuen Film um einen Demonstranten der Gelbwesten gehen würde , und wies darauf hin, dass es neben Archivmaterial „auch einen Dreh geben wird. Ich weiß nicht, ob ich so genannte Schauspieler finden werde … ich Ich würde gerne die Menschen filmen, die wir auf den Nachrichtenkanälen sehen, aber indem ich sie in eine Situation versetze, in der Dokumentarfilm und Fiktion zusammenkommen. Im März 2021 sagte er während eines virtuellen Interviews beim Internationalen Filmfestival von Kerala , dass er an zwei neuen Filmen arbeite . Godard erklärte: "Ich beende mein Filmleben - ja, mein Filmemacherleben - indem ich zwei Drehbücher schreibe ... Danach werde ich sagen: 'Auf Wiedersehen, Kino.'"

-Kanal in Frankreich war.

Aragno sagte, dass er nicht glaubte, dass einer der beiden Filme sein letzter Film sein würde, und fügte hinzu: „Ich sage das oft, dass Éloge de l’amour der Beginn seiner letzten Geste war. Diese fünf oder sechs oder sieben Filme sind miteinander verbunden in gewisser Weise sind sie nicht nur Punkte. Es ist nicht nur ein Bild.“

Erbe

Plakate für eine Godard-Retrospektive 2020 in der Pariser Métro

Godard gilt als einer der einflussreichsten Filmemacher des 20. Jahrhunderts und als einer der Anführer der französischen New Wave.

1969 schrieb der Filmkritiker Roger Ebert über Godards Bedeutung im Kino:

Godard ist ein Direktor allerersten Ranges; kein anderer Regisseur hat in den 1960er Jahren mehr Einfluss auf die Entwicklung des abendfüllenden Films gehabt. Wie Joyce in der Belletristik oder Beckett im Theater ist er ein Pionier, dessen gegenwärtige Arbeit für das anwesende Publikum nicht akzeptabel ist. Aber sein Einfluss auf andere Regisseure schafft und bildet allmählich ein Publikum, das vielleicht in der nächsten Generation auf seine Filme zurückblicken und erkennen kann, dass dies der Beginn ihres Kinos ist.

Der Filmemacher Quentin Tarantino nannte eine von ihm gegründete Produktionsfirma A Band Apart , eine Anspielung auf Godards Film von 1964.

aufgenommen . in derselben Umfrage als einen seiner zehn Lieblingsfilme auf.

Godards Filme haben viele Regisseure beeinflusst und inspiriert, darunter Martin Scorsese , Quentin Tarantino , Francis Ford Coppola , George Lucas , David Lynch , David Cronenberg , Peter Bogdanovich , Brian De Palma , Oliver Stone , William Friedkin , Steven Soderbergh , Andrei Tarkovsky , Andrei Konchalovsky , Alejandro Jodorowsky , Abbas Kiarostami , Lars von Trier , Atom Egoyan , DA Pennebaker , Claire Denis , Robert Altman , Jim Jarmusch , Takeshi Kitano , Gaspar Noé , John Waters , Mamoru Oshii , Shane Carruth , Stan Brakhage , Ken Loach , Kevin Macdonald , Abel Ferrara , Luca Guadagnino , Terence Davies , Paul Schrader , Rainer Werner Fassbinder , Wong Kar-wai , Edward Yang , Hou Hsiao-hsien , Wim Wenders , Chantal Akerman , Bela Tarr , Theo Angelopoulos , Raoul Peck , Glauber Rocha , Fernando Solanas , Octavio Getino , Emir Kusturica , Terrence Malick , Paul Thomas Anderson , Wes Anderson , Richard Linklater , Harmony Korine , Darren Aronofsky , Bernardo Bertolucci , Dušan Makavej ev , Marco Bellocchio und Pier Paolo Pasolini .

Vier von Godards Filmen stehen auf der Liste der 100 Greatest Films des British Film Institute (BFI) Sight and Sound : Breathless (13), Le Mépris (21), Pierrot le Fou (42) und Histoire(s) du cinéma ( 48).

Persönliches Leben und Sterben

Godard war mit zwei seiner führenden Frauen verheiratet: Anna Karina (1961–1965) und Anne Wiazemsky (1967–1979). Ab 1970 arbeitete er persönlich und beruflich mit Anne-Marie Miéville zusammen . Godard lebte ab 1978 mit Miéville in Rolle in der Schweiz und wurde von seiner ehemaligen Frau Karina als "Einsiedler" beschrieben. Godard heiratete Miéville in den 2010er Jahren, so Patrick Jeanneret, ein Berater von Godard.

Insbesondere seine Beziehung zu Karina brachte einige seiner von der Kritik am meisten gefeierten Filme hervor, und ihre Beziehung wurde weithin bekannt gemacht: The Independent beschrieb sie als "eine der berühmtesten Paarungen der 1960er". Das Filmmaker Magazine bezeichnete ihre Zusammenarbeit als „die wohl einflussreichste Werkgruppe in der Geschichte des Kinos“. Spät im Leben sagte Karina jedoch, dass sie nicht mehr miteinander sprachen.

Durch seinen Vater war er der Cousin von Pedro Pablo Kuczynski , ehemaliger Präsident von Peru .

2017 drehte Michel Hazanavicius einen Film über Godard, Redoubtable , basierend auf den Memoiren One Year After (französisch: Un an après ; 2015) von Wiazemsky. Im Mittelpunkt steht sein Leben in den späten 1960er Jahren, als er und Wiazemsky gemeinsam Filme drehten. Der Film wurde 2017 bei den Filmfestspielen von Cannes uraufgeführt . Godard sagte, der Film sei eine „dumme, dumme Idee“.

Im Alter von 91 Jahren starb Godard am 13. September 2022 in seinem Haus in Rolle. Sein Tod wurde als Beihilfe zur Selbsttötung gemeldet , die in der Schweiz legal ist. Godards Rechtsberater sagte, er habe „mehrere behindernde Pathologien“, aber ein Familienmitglied sagte, dass „er nicht krank war, er war einfach erschöpft“.

Ausgewählte Filmografie

Spielfilme

Die Liste schließt Anthologiefilme mit mehreren Regisseuren aus, zu denen Godard Kurzfilme beigetragen hat.

Zusammenarbeit mit ECM Records

(ECM 5001) gemacht hat.

Unter den ECM-Albumcovern mit Godards Filmstills sind diese:

Siehe auch

Verweise

Quellen und weiterführende Literatur