Kostümdesign -
Costume design

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Kostümdesign für Gianetta - Die Gondolieri

Kostümdesign ist die Kreation von Kleidung für das Gesamterscheinungsbild einer Figur oder eines Darstellers. Kostüm kann sich auf den Kleidungsstil einer Nation, einer Klasse oder einer Epoche beziehen. In vielen Fällen kann es zur Fülle der künstlerischen, visuellen Welt beitragen, die für eine bestimmte Theater- oder Filmproduktion einzigartig ist. Die einfachsten Designs werden hergestellt, um Status zu kennzeichnen, Schutz oder Bescheidenheit zu bieten oder einem Charakter visuelles Interesse zu verleihen. Kostüme können für eine Theater- , Kino- oder Musikaufführung bestimmt sein, sind aber nicht darauf beschränkt. Kostümdesign sollte nicht mit Kostümkoordination verwechselt werden, bei der lediglich die vorhandene Kleidung verändert wird, obwohl beide Bühnenkleidung herstellen .

Im Theaterdesign werden vier Arten von Kostümen verwendet: historisch, fantastisch, tänzerisch und modern.

Geschichte

Dorffeste und Prozessionen zu Ehren des Dionysos (Siehe auch: Dionysien ) gelten bei den alten Griechen als Ursprung des Theaters und damit der Theatertracht. Die Skulpturen- und Vasenmalereien sind der deutlichste Beweis für diese Tracht. Aufgrund ihres ritualisierten Theaterstils wurden viele Masken verwendet, die jedem Charakter ein spezifisches Aussehen gaben, und sie variierten je nachdem, ob sie für komödiantische oder dramatische Zwecke verwendet wurden. Einige Masken wurden sowohl mit einer fröhlichen als auch mit einer ernsten Seite auf demselben Gesicht konstruiert, um einen Gefühlswechsel ohne Maskenwechsel anzuzeigen. Gleiches gilt für die Römer, die die Maskentradition fortsetzten, was die Rollenverdoppelung erleichterte.

Während des späten Mittelalters in Europa waren dramatische Inszenierungen biblischer Geschichten weit verbreitet, daher wurden echte christliche Gewänder, stilisiert aus traditioneller byzantinischer Hofkleidung, als Kostüme getragen, um die Aufführungen so realistisch wie möglich zu halten. Stereotype Charakterisierung war der Schlüssel bei der Bekleidung von Darstellern für diesen Theaterstil. In den meisten Fällen mussten Schauspieler ihre eigenen Kostüme mitbringen, wenn sie eine Figur aus dem täglichen Leben spielten.

Später, in der elisabethanischen Aufführung in England zwischen 1500 und 1600, wurde das Kostüm zum wichtigsten visuellen Element. Kleidungsstücke waren sehr teuer, weil nur die feinsten Stoffe verwendet wurden. Die meisten Charaktere waren elisabethanisch gekleidet, ansonsten ließen sich die Kostüme in fünf Kategorien einteilen; "Ancient", die aus der Mode gekommene Kleidung war, die eine andere Zeit repräsentierte; "Antike", ältere Ergänzungen zu zeitgenössischer Kleidung, um klassische Charaktere zu unterscheiden; Traumhafte, „phantasievolle“ Kleidungsstücke für übernatürliche oder allegorische Charaktere; „Traditionelle“ Kleidung, die nur wenige bestimmte Personen repräsentierte, wie Robin Hood, oder „Nationale oder Rassen“-Kostüme, die eine bestimmte Gruppe von Menschen abheben sollten, aber historisch nicht korrekt waren.

"Normalerweise wurden modische Kleidungsstücke sowohl in der Komödie als auch in der Tragödie verwendet, bis Adrienne Lecouvreur 1727 die viel aufwendigere und formellere Hoftracht für die Tragödie annahm. Ihre Praxis wurde bald zum Standard für alle tragischen Heldinnen." wer hätte das aufwendigste Bühnenkleid. Diese Praxis wurde bis in die 1750er Jahre fortgesetzt, als Kostüme wieder für den Charakter relevant wurden. Die Kunst begann, das Leben zu kopieren, und vor allem im 19. Jahrhundert wurden realistische Merkmale bevorzugt. Georg II., Herzog von Sachsen-Meiningen, interessierte sich zum Beispiel persönlich für das Theater und begann, Truppen zu leiten. Er plädierte für Authentizität und Genauigkeit des Drehbuchs und des Zeitraums, daher weigerte er sich, Schauspieler an ihren eigenen Kostümen zu manipulieren. Er stellte auch sicher, dass die Materialien authentisch und spezifisch waren, indem er echtes Kettenhemd, Rüstungen, Schwerter usw. verwendete. Es waren keine billigen Ersatzstoffe zulässig.

Im August 1823 in einer Ausgabe von The Album , James Planché veröffentlichte einen Artikel sagen , dass mehr Aufmerksamkeit sollte den Zeitraum von Shakespeares Stücken bezahlt wird, vor allem wenn es um die Kostüme kommt. Im selben Jahr führte ein lockeres Gespräch zu einer der nachhaltigeren Auswirkungen Planchés auf das britische Theater. Er bemerkte Charles Kemble , dem Manager von Covent Garden, dass "während tausend Pfund häufig für eine Weihnachtspantomime oder ein Osterspektakel verschwendet wurden, die Stücke von Shakespeare mit provisorischen Kulissen auf die Bühne gebracht wurden und bestenfalls als ein oder zwei neue Kleider für die Hauptfiguren." Kemble "sah den möglichen Vorteil richtiger Geräte, die den Geschmack der Stadt treffen" und erklärte sich bereit, Planché die Kontrolle über die Kostüme für die bevorstehende Produktion von King John zu geben , wenn er die Forschung durchführen, die Kostüme entwerfen und die Produktion beaufsichtigen würde. Planché hatte auf diesem Gebiet wenig Erfahrung und suchte die Hilfe von Antiquaren wie Francis Douce und Sir Samuel Meyrick . Die damit verbundene Forschung entfachte Planchés latentes antiquarisches Interesse; diese nahmen später im Leben einen immer größeren Teil seiner Zeit ein.

Trotz der Vorbehalte der Schauspieler war King John ein Erfolg und führte zu einer Reihe ähnlich kostümierter Shakespeare-Produktionen von Kemble und Planché ( Heinrich IV, Teil I , Wie es dir gefällt , Othello , Cymbeline , Julius Caesar ). Die Entwürfe und Darstellungen von König John , Henry IV , As You Like It , Othello , Hamlet und Merchant of Venice wurden veröffentlicht, obwohl es keinen Beweis dafür gibt, dass Hamlet und Merchant of Venice jemals mit den historisch genauen Kostümentwürfen von Planché produziert wurden. Planché schrieb auch eine Reihe von Theaterstücken oder Adaptionen, die mit historisch korrekten Kostümen inszeniert wurden ( Cortez , The Woman Never Vext , The Merchant’s Wedding , Charles XII , The Partisans , The Brigand Chief und Hofer ). Nach 1830 trug er, obwohl er immer noch historische Kostüme trug, keinen Anspruch mehr auf historische Genauigkeit für seine Arbeit in Theaterstücken. Seine Arbeit in King John hatte eine "Revolution in der Bühnenpraxis des neunzehnten Jahrhunderts" bewirkt, die fast ein Jahrhundert dauerte.

Im Jahre 1923 die erste einer Reihe von innovativen modernen Kleid Produktionen von Shakespeare spielt, Cymbeline , unter der Regie von HK Ayliff , bei geöffnetem Barry Jackson ‚s Birmingham Repertory Theater in England .

Historische Kostüme von Le Cateau Cambrésis, Frankreich

Kostüme im chinesischen Theater sind sehr wichtig, besonders in der Peking-Oper. Sie sind normalerweise stark gemustert und knallig in der Farbe. Die Standardartikel bestehen aus mindestens 300 Teilen und beschreiben den Charaktertyp, das Alter und den sozialen Status der Darsteller durch Ornament, Design, Farbe und Accessoires. "Farbe wird immer symbolisch verwendet: Rot für Loyalität und hohe Position, Gelb für Königtum und dunkles Purpur für Barbaren oder Militärberater." Symbolische Bedeutung findet sich auch in der Gestaltung der Embleme. Der Tiger steht zum Beispiel für Kraft und männliche Stärke. Ein Großteil der Kleidung, unabhängig vom Rang, besteht aus edlen und luxuriösen Materialien. Make-up wird auch symbolisch verwendet und ist sehr wichtig für das Gesamtbild.

Im japanischen Noh-Drama werden immer Masken verwendet und der herausragende Aspekt des Kostüms. Sie sind aus Holz und werden in der Regel seit Generationen verwendet. Es gibt fünf Grundtypen; männlich, weiblich, alt, Gottheiten und Monster, alle in vielen Variationen. Die Masken werden während des Spiels oft gewechselt. In Kabuki, einer anderen Form des japanischen Theaters, tragen Schauspieler keine Masken, sondern verlassen sich stark auf Make-up für das Gesamtbild. Merkmale werden übertrieben oder entfernt und für einige der sportlichen Rollen wird die Muskulatur in einem bestimmten Muster umrissen. Für jede Rolle werden traditionelle Kostüme verwendet, die auf historischen Gewändern basieren, die für einen dramatischen Effekt verändert wurden. „Einige Kostüme wiegen bis zu fünfzig Pfund, und Bühnenpersonal helfen den Schauspielern, sie auf der Bühne richtig zu arrangieren.“

Designprozess

Der Prozess des Kostümdesigns umfasst viele Schritte und obwohl sie sich von Genre zu Genre unterscheiden, wird häufig eine grundlegende Methode verwendet.

1. Analyse :

Der erste Schritt ist eine Analyse des Skripts, der musikalischen Komposition, der Choreographie usw. Kostümparameter für die Show werden festgelegt und ein grober Kostümplot erstellt. Ein Kostümplot beschreibt, welcher Charakter in welcher Szene ist, wann die Schauspieler wechseln und welche Kostüme im Drehbuch erwähnt werden.

2. Design-Zusammenarbeit : Eine wichtige Phase im Prozess, in der sich alle Designer mit dem Direktor treffen. Es muss klar sein, wohin die Show geht. Die Designer kommen mit dem Regisseur in Bezug auf die Themen für die Show und die Botschaft, die sie dem Publikum von der Show vermitteln möchten, auf eine Linie.

3. Kostümrecherche : Sobald der Regisseur und die Designer auf der gleichen Seite sind, ist der nächste Schritt für den Kostümdesigner, Recherchen zu sammeln. Kostümdesigner beginnen normalerweise mit der Welt des Spiels Forschung, wo sie Forschung finden, um die Welt zu etablieren, in der das Stück stattfindet. Dies hilft den Designern, die Regeln der Welt festzulegen und dann wiederum die Charaktere besser zu verstehen. Der Designer wird dann eine umfassende Recherche zu jedem Charakter durchführen, um zu versuchen, seine Persönlichkeit durch sein Kostüm zu bestimmen.

Eine Frau, die in einer Kostümwerkstatt im Prager Theater kreiert .

4. Vorskizzen und Farbgestaltung : Sobald genügend Informationen vorliegen, beginnen Kostümbildner mit der Erstellung vorläufiger Skizzen. beginnend mit sehr schnellen groben skizzen kann der designer eine grundidee dafür bekommen, wie die show aussehen wird und ob die regeln der welt eingehalten werden. Der Kostümdesigner wird dann detailliertere Skizzen erstellen und die spezifischen Kostüme und Farben für den Charakter herausfinden. Skizzen helfen, die Show als Ganzes zu sehen, ohne dass sie zu viel Zeit damit verbringen müssen.

5. Endgültige Skizzen : Sobald Kostümbildner und Regisseur sich auf die Kostüme geeinigt haben und die Ideen vollständig ausgespült sind, erstellt der Designer die endgültigen Skizzen. Diese werden als Rendering bezeichnet und werden in der Regel mit Wasserfarben oder Acrylfarben bemalt. Diese endgültigen Skizzen zeigen, wie der Designer aussehen soll und die Farben des Kostüms.

Herstellungsprozess

Beispiel für das Drapieren von Musselin-Stoff auf eine Schneiderpuppe

Sobald die Show entworfen ist, ist es notwendig zu planen, wo die Artikel bezogen werden. Es gibt vier Optionen. Kleidungsstücke können sein:

  • Gezogen, was sich auf das Durchsuchen eines Kostümgeschäftsbestands bezieht
  • Gemietet
  • Eingekauft
  • Konstruiert oder auch als Auftragsfertigung bekannt.

Es gibt zwei Möglichkeiten, ein Kleidungsstück zu konstruieren; entweder Muster entworfen oder drapiert, und oft werden beide Methoden zusammen verwendet. Der Entwurf von Mustern beginnt mit der Verwendung eines Satzes grundlegender Musterblöcke, die aus den Messungen des Schauspielers entwickelt wurden. Sie werden zuerst auf Papier gezogen, dann auf Stoff übertragen und zur Passformprüfung zusammengenäht.

oder Schaufensterpuppe manipuliert, deren Maße eng mit den Schauspielern verwandt sind. Es ist ein Prozess, bei dem ein flaches Stück Stoff genommen und geformt wird, um den Stoff durch Schneiden und Stecken an einen dreidimensionalen Körper anzupassen.

Nach der Herstellung ist das Kostüm jedoch noch nicht fertig "funktioniert". Ein sehr wichtiger Aspekt von Kostümen ist die Art und Weise, wie sie die Leistungen der Schauspieler und ihre Funktion innerhalb ihrer Umgebung beeinflussen. Die besten Kostümbildner bauen ihre originellen Ideen, nachdem sie die visuellen und räumlichen Bedingungen der Kostüme bewertet haben.

Siehe auch

Verweise